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Les artistes

Art au Centre arrive dans les locaux vides à partir du 3 octobre 2019. Retrouvez des artistes belges et internationaux au travers du centre-ville liégeois. 

Les artistes

Mohammed Alani - "PEEPING TOM"

Mohammed Alani (Bagdad °1971) est arrivé à Bruxelles il y a plus de 20 ans après avoir fui le régime de Saddam Hussein.

C’est à l’Académie de Saint-Gilles qu’il a retrouvé sa liberté en tant qu’artiste.

Dans sa lettre à Alani, Philippe Van Cauteren, directeur du SMAK, écrit « qu’il est un artiste qui, au départ d’une intuition, construit des images qui élèvent la banalité du quotidien avec une simplicité ludique ».

Son univers visuel – objets, sculptures, installations, photos, performances, dessins, vidéos – puise dans le catalogue du savoir-faire de l’art sculptural : empiler, assembler, incliner, plier, percer, renverser, disperser, incorporer, enlever, pencher, balancer…

Dans une œuvre récente, Alani lie son histoire et ses racines orientales à la tradition artistique occidentale.

La gaieté et l’espièglerie de son œuvre ne peuvent cacher le fait qu’elle traite aussi de thèmes graves : perte d’identité, restriction de la liberté, peur et terreur….

Commissaire : Philippe Braem

Mohammed  Alani ( 1971 Bagdad ) kwam, op de vlucht voor het regime van de Sadam Hoessein,  meer dan 20 jaar geleden in Brussel terecht.

In de Academie van Sint-Gillis herwon hij, ook als kunstenaar, zijn vrijheid.

In zijn brief aan Alani schrijft Philippe Van Cauteren, directeur van het SMAK, “dat hij een kunstenaar is die vanuit een intuïtie beelden bouwt die de banaliteit van het alledaagse verheffen met een speelse eenvoud”.

Zijn beeldend universum – objecten, sculpturen, installaties, foto’s ,performances, tekeningen,video- put volop uit het lexicon van de  beeldende kunst :  stapelen, assembleren, buigen,  plooien,  doorboren,  omkippen, verstrooien, toevoegen, wegnemen, leunen, balanceren…

In recenter werk vermengt  Alani Westerse elementen met zijn Arabische roots en geschiedenis.

De vrolijkheid en speelsheid van zijn oeuvre kan niet verhullen dat het ook over ernstige thema’s gaat : verlies van identiteit, vrijheidsbeperking, angst en terreur…

Philippe Braem

PEEPING TOM Mohamed Alani

Christopher Bouts, Sylvain Lange, Alexandru Fonea & Frédéric Materne - "« LA MÉMOIRE C’EST DU SOUVENIR EN CONSERVE » (Pierre Dac)"

Vous souvenez-vous des rues empruntées avant le début de votre lecture de ces lignes ?

Vous souvenez-vous des couleurs aperçues ou encore des formes, des écriteaux, des architectures ?

L’image qui se forme dans votre tête est claire, nette et précise ? Ou est-ce déjà un vague souvenir aux contours incertains ?

L’incertitude est de mise dès lors que la mémoire ou la perception sont sollicitées. Certaines choses sont vues tandis que d’autres sont oubliées.

Dans cette vitrine, quatre artistes, quatre regards, quatre souvenirs sont visibles. Aucun rapport l’un avec l’autre si ce n’est cette tentative de jouer avec la perception et la mémoire…

Christopher Bouts et Sylvain Lange usent de la vidéo.

Alexandru Fonea manie le pinceau.

Frédéric Materne utilise la photographie.

Commissaire : Thibaut Wauthion

Weet u nog langs welke straten u gereden bent voordat u deze lijnen las?

Weet u nog welk kleuren of vormen, borden en gebouwen u gezien hebt?

Is het beeld in uw hoofd duidelijk, helder en nauwkeurig? Of is het al een vage en troebele herinnering?

Onzekerheid ontstaat wanneer ons geheugen of onze waarneming aangesproken wordt. We zien bepaalde dingen, terwijl we andere dingen vergeten.

In deze vitrine zien we vier artiesten, vier blikken, vier herinneringen. Afgezien van het feit dat ze met onze waarneming en ons geheugen spelen, hebben ze geen enkel verband met elkaar …

Christopher Bouts en Sylvain Lange werken met video.

Alexandru Fonea neemt een penseel ter hand.

Frédéric Materne maakt foto’s.

Erinnern Sie sich an die Straßen, die Sie vor dem Lesen dieser Zeilen durchfahren haben?

Erinnern Sie sich an Farben oder Formen, Schilder oder Bauten?

Ist das in Ihrem Kopf entstehende Bild klar, deutlich und präzise? Oder handelt es sich bereits um eine vage Erinnerung mit verschwommenen Konturen?

Wenn das Erinnerungs- oder Wahrnehmungsvermögen gefragt ist, entsteht Unsicherheit. Bestimmte Dinge zeichnen sich deutlich ab, während andere in Vergessenheit geraten sind.

In dieser Vitrine sind vier Künstler, vier Blicke und vier Erinnerungen zu sehen. Abgesehen von dem Bestreben, die Erinnerung oder Wahrnehmung herauszufordern, besteht kein Zusammenhang.

Christopher Bouts und Sylvain Lange arbeiten mit Videos.

Alexandru Fonea bedient sich eines Pinsels.

Frédéric Materne setzt auf Fotografie.

Do you recall the streets you walked down before you started to read these lines?

Do you remember the colours you noticed or indeed the shapes, signs and architectural elements?

Is the image forming in your mind clear, distinct and precise? Or is it already a vague memory with indeterminate outlines?

Uncertainty comes with the territory when memory or perception are called upon. Certain things are seen whilst others are forgotten.

In this display, four artists, four perceptions and four memories are visible. None of them has a link with another, apart from the fact that they attempt to play with perception and memory…

Christopher Bouts and Sylvain Lange use video.

Alexandru Fonea wields a brush.

Frédéric Materne employs photography.

Christophe Bouts, Alexandre, Sylvain Lange, Frederic2

Michael Briglio-Nigro - "DREAMIN’"

Michael Briglio-Nigro, (Liège, 1981), compose des images à la fantasmagorie entêtante. Une cinématographie prenant naissance aussi bien dans un détail inopiné, surgit du quotidien, qu’à travers des séance de pose, souvent nocturne, cela va de soit, où il exprime une complémentarité esthétique avec sa compagne et muse, la photographe Marie-Valentine Gillard. Terrain de jeux et d’expérimentations, ces sessions donnent naissance à d’étranges aplats de couleurs et de matières et génèrent un érotisme trouble, dont l’éclat nous parvient fractionné. Si l’élaboration de ces photographies dépend tant de l’heureux hasard que du processus calculé, elle procède avant tout d’un seul et même but : la mise en oeuvre d’une forme d’épiphanie mentale ; « Je cherche à créer les images que j’ai envie de voir ». Quand l’abondance des néons reflétés sur le moiré des velours suaves ou des vinyles tendus sous un fessier rebondi appellent à l’opulence clinquante des années 80, la fréquence des plans serrés et le morcellement des corps agissent comme autant d’indices dont chacun est libre de s’emparer pour constituer sa propre fiction : une histoire d’amour crépusculaire dans une boite de Rimini. Une créature from outer space. Les griffes de la nuit ont des ongles couleur Ferrari. Un miroir brisé attisant le manque. Un indice, un fragment ; le mystère s’épaissi.

Commissaire : Pauline Salinas

Michael Briglio-Nigro, (Luik, 1981), maakt beelden met een bedwelmende fantasie. Zijn cinematografie ontstaat uit een onverwacht detail dat voortvloeit uit het dagelijkse leven maar komt eveneens tot uiting in nachtelijke fotosessies waarin hij een esthetische complementariteit uitdrukt met zijn partner en muze, fotografe Marie-Valentine Gillard. Deze experimentele en luchtige sessies brengen vreemde kleuren en vormen voort die leiden tot een verstoorde vorm van erotiek met schijnbaar fragiele glans.
Hoewel de ontwikkeling van deze foto’s afhangt van gelukkig toeval en het berekende proces dienen ze allemaal een en hetzelfde doel: het creëren van een vorm van mentale openbaring. “Ik wil beelden maken die ik vooral zelf wil zien”. Het overvloedig reflecterende neonlicht op fluweelzacht velours of nauwsluitende leggings rond strakke billen doen ons denken aan de kitscherige glamour van de jaren 80.  De detailopnames en de versplintering van het lichaam dienen als talrijke hints die iedereen zich op zijn eigen manier kan toe-eigenen om zijn eigen fictie te creëren, zoals een duister liefdesverhaal in een discotheek in Rimini. Een creatie uit ‘outer space’. De klauwen van de nacht hebben Ferrarirode nagels. Een gebroken spiegel verwijst naar een gevoel van gemis. Een hint, een fragment: het mysterie wordt ondoorgrondelijk.

Michael Briglio-Nigro, (Lüttich, 1981) erschafft Bilder mit betäubender Fantasie. Eine aus einem unerwarteten Detail hervorgehende Kinematographie taucht plötzlich im Alltag auf, sodass die häufig nächtlichen Shootings selbstverständlich erscheinen und er in diesem Rahmen mit seiner Partnerin und Muse, der Fotografin Marie-Valentine Gillard, eine ästhetische Komplementarität zum Ausdruck bringt. Als Spiel und Experiment zugleich fungierend bringen diese Shootings eigentümliche Volltöne und Formen hervor und kreieren eine verstörende Erotik mit scheinbar zerbrechlichem Glanz.

Auch wenn diese Fotografien gleichermaßen aus glücklichen Zufällen und kalkulierten Konstellationen hervorgehen, verfolgen sie doch ein und dasselbe Ziel – die Umsetzung einer Art mentaler Epiphanie. „Ich möchte Bilder schaffen, die ich selbst sehen möchte.“

Wenn das Meer an Neonleuchten, das sich im schillernden Muster weichen Samtes widerspiegelt, oder das Vinyl unter prallen Hintern an die kitschige Opulenz der 1980er-Jahre erinnern, dienen Nahaufnahmen und die Zersplitterung der Körper als zahlreiche Indizes, aus denen sich jeder seine eigene Fiktion schmieden kann: eine dämmernde Liebesgeschichte in einem Nachtklub in Rimini. Eine Kreatur aus dem „Outer Space“. Die Krallen der Nacht haben ferrarifarbene Fingernägel. Ein zerbrochener Spiegel, der ein Gefühl des Mangels weckt. Ein Indiz, ein Fragment – das Geheimnis wird undurchdringlicher.

Michael Briglio-Nigro, (Liège, 1981), composes images of heady phantasmagoria. This cinematography originates both from unexpected details springing from everyday life as well as from sittings, often at night (it goes without saying), in which he expresses an aesthetic symbiosis with his partner and muse, the photographer Marie-Valentine Gillard. Both a playground and a terrain for experimentation, these settings usher forth strange flat tints of colours and materials, generating a blurred sort of eroticism, a fraction of whose sparkle we perceive.

Though the elaboration of these photographs depends on both happy coincidence and a

calculated process, it accomplishes first and foremost a single and same objective: the implementation of a form of mental epiphany: “I seek to create images that I want to see”. When the a vast array of neon light reflects on the shimmering of suave velvet or on stretched vinyl over a well-rounded buttock evocative of the flashy opulence of the 1980’s, the frequency of close-ups and the dividing up of bodies represent a wealth of hints that everyone can appropriate to build up their own fiction: a twilight love story in a night club in Rimini; a creature from outer space; the claws of the night with Ferrari coloured nails; a broken mirror fanning the flames of deprivation; a clue; a fragment; a deepening mystery.

DREAMIN, Michael briglio 1

Baptiste Caccia - "VITRINE SUPERDAKOTA"

Presque impressionnistes, souvent proches de l’abstraction, les œuvres de Baptiste Caccia nous plongent dans un monde irréel où formes et volumes s’estompent dans une brume colorée. C’est au départ de photographies, combinées à la sérigraphie et la peinture, que l’artiste français crée ces visions oniriques. Elles sont le fruit d’un processus d’expérimentation long et minutieux durant lequel il déconstruit et reconstruit l’image jusqu’à transmutation de celle-ci. C’est le procédé qui mène à cette transformation qui importe le plus aux yeux de Caccia car il lui permet de questionner l’essence même de ces reproductions visuelles et des perceptions que nous avons d’elles.

Derrière la juxtaposition de couleurs saturées et les effets de texture, ces images dévoilent par jeu de transparence des instantanés, des moments de vie figés dans le temps. Ici, c’est en quelque sorte une mise en abyme qui s’offre à nous : une image dans une image, une vitrine dans une vitrine, un regardeur regardé.

Commissaire : Alix Nyssen

Haast impressionistisch en vaak nauw aansluitend bij de abstractie dompelen de werken van Baptiste Caccia ons onder in een irreële wereld waarin vormen en volumes vervagen in een kleurrijke mist. De Franse artiest creëert zijn dromerige visies op basis van foto’s, gecombineerd met zeefdruk en schilderkunst. Ze zijn het resultaat van een lang en minutieus experimenteel proces waarin hij het beeld uit elkaar haalt en terug samenstelt tot de volledige transmutatie van het beeld. Het is het proces dat tot die transformatie leidt dat voor Gaccia het belangrijkst is. Het geeft hem de mogelijkheid om vragen te stellen bij de essentie van zijn visuele producties en de manier waarop wij ze als toeschouwer waarnemen.

Achter de textuureffecten en de verzadigde kleuren die naast elkaar worden geplaatst, onthullen deze beelden, via het transparante spel van momenten, levensmomenten die in de tijd verankerd zijn. We hebben hier als het ware te maken met de samensmelting van twee kunstwerken: een beeld in een beeld, een vitrine in een vitrine, een blik die bekeken wordt.

Die fast impressionistischen, häufig nahe am Abstrakten liegenden Kunstwerke Baptiste Caccias entführen uns in eine irreale Welt, in der sich Formen und Volumen in einem farbigen Dunst verlieren. Mit Fotografien in Kombination mit Serigrafie und Malerei erzeugt dieser französische Künstler träumerische Visionen. Sie sind das Ergebnis eines langen und minutiösen Prozesses des Experimentierens, in dessen Rahmen er das Bild bis zu dessen Transmutation ab- und wieder aufbaut. Der zu dieser Transformation führende Prozess besitzt nach Auffassung Caccias die größte Bedeutung, weil er ihm ermöglicht, die Essenz dieser visuellen Reproduktionen und unserer Wahrnehmungen zu hinterfragen.

Jenseits der Gegenüberstellung gesättigter Farben und der Textureffekte enthüllen diese Bilder durch Transparenzeffekte Momentaufnahmen bzw. stehen gebliebene Lebensabschnitte. In gewisser Weise offenbart sich hier ein Bild im Bild („Mise en abyme“), eine Vitrine in einer Vitrine und ein betrachteter Betrachter.

Almost impressionist, often close to abstraction, the works of Baptiste Caccia plunges us into a fantasy world in which shapes and volumes blur into a coloured haze. The French artist uses photographs combined with screen printing and painting to create these dreamlike visions. They are the fruit of a long and meticulous experimentation process during which he deconstructs and reconstructs the image to the point of transforming it. In Caccia’s eyes, it is the process that leads to such transformation which is important, because it allows him to question the very essence of these visual reproductions and how we perceive them.

Behind the juxtaposition of saturated colours and textural effects, through the interplay of snapshots, these images unveil moments in life set in time. Here, in a way, we are presented with a mise en abyme: an image within an image, a showcase within a showcase, a watcher watched.

VITRE SUPERDAKOTA Baptiste Caccia 1

Bastien Cosson - "SANS TITRE (LIÈGE)"

J’ai rencontré Bastien Cosson à Palette Terre, espace d’exposition indépendant qu’il a fondé en 2014. Durant plusieurs années, c’est chez lui, dans la seule pièce qui aurait pu lui servir de salon, que le dimanche après-midi, jour de vernissage, j’ai flâné, discuté et épié des peintures mais aussi des dessins, des photos, des gestes et des regards. Des propositions personnelles variées, un public nombreux ou parfois épars assistant autour d’une tasse de café ou d’un verre de vin à ce moment où l’art agit, dans l’échange toujours. Sans volonté de revêtir l’autorité d’un galeriste ou d’un commissaire d’exposition, ses invitations sont une façon de donner à voir et d’agir sur l’écosystème artistique qui l’entoure, dans une générosité d’aller-retour et de discussion qu’il concrétise également lors de productions de peintures à plusieurs mains.

La toile devient le centre d’une réflexion, à la fois sur le medium mais aussi sur le monde de l’art et sur les aspects, des plus conceptuels aux plus pragmatiques, que ce qu’être artiste suppose aujourd’hui.  Chaque contexte amène Bastien Cosson a développé une pratique du déplacement (géographique, sémantiques ou de valeur), un jeu constant entre la sphère publique et privée, entre la posture du créateur, du regardeur et d’acteur du monde l’art. Un engagement transparent, nourri par une prise de conscience permanente des enjeux sociaux, politiques et culturels qui nous entourent actuellement.

Ses dernières propositions en témoigne que ce soit par le titre « la peinture comme posture », par les motifs entremêlés du peintre (la palette) et de son modèle (image imprimée de sa compagne qui traverse son œuvre) ou lors de sa dernière exposition personnelle, où il accueille au sein de l’espace une réunion de soutien aux postiers en grève.Bastien Cosson utilise ici l’affiche pour relier volontairement deux projets d’exposition exploitant un lieu commercial. Il présente en septembre à Lyon l’affiche d’Art au Centre simplement signée et collée sur la vitrine. Tandis qu’à Liège est exposée l’outil de communication lyonnais. Un geste discret abordant toutefois le poids de la question de l’auteur au sein de la création plastique ainsi qu’une réflexion permanente sur la monstration/visibilité de l’artiste dans le foisonnement actuel des propositions.

Commissaire : Sophie Delhasse

Bastien Cosson 4

Tatiana Defraine - "DON’T GET ME WRONG"

Pour le projet de vitrines à Liège, je souhaite réaliser une grande peinture murale qui occuperait toute la superficie de la vitrine. Dans mon travail le sujet féminin est une source d’inspiration permanente ainsi que le détournement des images de la mode.
Mon travail pourrait donc integrer ces questions de vitrine, de mannequins, de consumérisme, par le choix de la comédie et de l’humour.
J’imagine une grande peinture, un fond peint en faux marbre et des mannequins qui poseraient avec leurs accessoires de mode, tenant des poses exagérées, une sorte de parodie drole et dramatique.
Pourquoi pas y intégrer également des accessoires peints comme des assiettes, des vases, des tissus….

L’artiste travaille presque exclusivement avec la peinture. Avec un mélange d’amour, d’humour et de cruauté, les peintures de Tatiana Defraine dénoncent les stéréotypes véhiculés par les phénomènes contemporains du people et du Fashion. Ces toiles ouvrent grand les yeux sur ces images glamour glacées, nous présentant une féminité drôle, arrogante et décomplexée.

Commissaire : Marine Candova

Voor het vitrineproject in Luik wil ik een grote muurschildering over het volledige oppervlak van de vitrine maken. In mijn werk zijn de vrouw en de bewerking van beelden uit de modewereld een voortdurende bron van inspiratie.

De thema’s vitrine, modellen en consumentisme sluiten via humor en het komische dan ook nauw aan bij mijn werk.

Ik denk aan een groot schilderij met een achtergrond in imitatiemarmer en modellen die overdreven met hun modeaccessoires poseren. Ik zie het als een soort van vrolijke en dramatische parodie.

Misschien gebruik ik ook wel beschilderde accessoires zoals borden, vazen, stoffen, …

De artieste werkt haast uitsluitend met verf. Haar schilderijen zweven tussen liefde, humor en wreedheid. Ze doen afstand van de stereotypen die door de hedendaagse people- en fashionfenomenen gecreëerd worden. De schilderijen van Defraine openen onze ogen voor deze starre glamourvoorstellingen die ons een vreemde, verwaande en complexloze vrouwelijkheid tonen.

Für das Vitrinenprojekt in Lüttich möchte ich ein großes Wandgemälde erstellen, das die gesamte Fläche der Vitrine einnimmt. Im Rahmen meiner Arbeit liefern Weiblichkeit und die Verdrehung von Bildern aus der Modewelt permanente Inspiration.

Demgemäß könnten die Themen Vitrine, Mannequin, Konsum über das Komische und den Humor in meine Arbeit einfließen.

Mir schwebt ein großes Bild mit einem mit falschem Marmor bemalter Hintergrund und Mannequins vor, die mit ihren Modeaccessoires übertriebene Posen einnehmen und eine Art komische und dramatische Parodie verkörpern.

Denkbar wäre ebenfalls, bemalte Accessoires wie Teller, Vasen, Stoffe usw. einzubeziehen.

Die Künstlerin arbeitet fast ausschließlich mit Malerei. Ihre Bilder verurteilen die Stereotypen, die durch moderne Phänomene von Menschen und Modewelt verbreitet werden, mit einer Mischung aus Liebe, Humor und Grausamkeit. Die Bilder öffnen die Augen für diese starren Glamour-Darstellungen, die einen sonderbaren, anmaßenden und von Komplexen befreiten Feminismus verkörpern.

For the window displays in Liège project, I would like to create a large mural painting that will occupy the entire surface of the window display. In my work, the female subject is a source of permanent inspiration as is the subversion of images from the fashion industry.

My work could therefore incorporate these issues of window displays, shop dummies and consumerism through the means of comedy and humour.

I imagine a large painting with a background of fake marble and shop dummies posing with their fashion accessories, in exaggerated postures, as a sort of funny and dramatic parody.

Why not also include painted accessories such plates, vases, fabrics, etc.

The artist works almost exclusively with paint. With a mixture of love, humour and cruelty, the paintings of Tatiana Defraine challenge the stereotypes conveyed by the modern phenomena of celebrity and fashion. These canvases tackle these glazed images of glamour full-on, depicting droll, arrogant and uninhibited femininity.

Defraine

David Disparos - "RA[RÉ]"

David Disparos, vidéaste et photographe espagnol, célèbre le corps, mais masculin cette-fois. Dénudés, fiers, ses modèles sondent du regard l’objectif qui les mitraille et leurs muscles se jouent des couleurs et de l’architecture les environnant. Si les morcellements de lumière sont travaillés à l’aide de miroirs réfléchissant le brûlant soleil d’Espagne, chaque pose, regard ou intention brute émane du modèle.
Depuis 2004, David Disparos explore les corps arrogants de rencontres éphémères. Acte esthétique autant que thérapeutique, ces photographies sont le résultat d’un processus tiré en langueur, d’un ballet séductif, d’une danse à trois entre le sujet, le photographe et son appareil.
David confesse volontiers une attirance vers des modèles à la masculinité bestiale, surdéveloppée, conforme aux stéréotypes de virilité hétérosexuelle. Si à l’époque et sous la Plume d’un Tom of Finland, les injonctions aux pectoraux mucho-macho étaient vecteurs d’émancipation pour les membres de la communauté gay, ils s’apparentent d’avantage aujourd’hui à un carcan qu’il est nécéssaire d’interroger. Cette remise en question apparait ici à travers le plaisir voyou que l’artiste retire à révéler et apprivoiser les contradictions de cette virilité grande gueule. Ces mécanismes des désirs, dont nous n’entreverrons que quelques fragments, David puise, pour les décrire, dans les mots d’Almodovar, dans le monologue de Tout sur ma mère : « Me llaman la Agrado » ; ils m’appellent l’agréable. Car c’est toute une entreprise de charme et de confiance que d’amener ces hommes à incarner d’eux même à la fois le sujet et l’objet de la photographie, à les faire « se sentir beaux », à chercher à ravir le regard de celui qui les contemple.

Commissaire : Pauline Salinas

David Disparos, Spaans videograaf en fotograaf, zet deze keer het mannelijke lichaam in de kijker. De naakte en trotse modellen kijken vragend in de lens en hun spieren spelen met kleuren en de omgeving die hen omringt. Terwijl het licht wordt bewerkt met spiegels die de brandende Spaanse zon weerkaatsen, komt elke houding, elke blik of elke intentie voort uit het model. Sinds 2004 toont David Disparos zelfverzekerde individuen uit vluchtige ontmoetingen. Zijn foto’s zijn zowel esthetisch als therapeutisch en het resultaat van een langgerekt proces, een verleidelijk ballet, een dans met drie tussen het onderwerp, de fotograaf en zijn toestel. David geeft probleemloos toe dat hij zich aangetrokken voelt tot deze modellen met een haast dierlijke en overontwikkelde mannelijkheid, in overeenstemming met de stereotypes van de heteroseksuele viriliteit. In het verleden en onder invloed van Tom of Finland waren opgepompte borstspieren de manier waarop de homogemeenschaap zich emancipeerde. Vandaag streven ze echter naar een ideaalbeeld dat ze steeds in vraag stellen. Die invraagstelling komt hier tot uiting in het ondeugende plezier dat de artiest haalt uit het onthullen en bedwingen van deze protserige viriliteit. Die mechanismen van verlangen, waarvan we slechts een glimp opvangen, beschrijft David met de woorden van filmregisseur Pedro Almodovar uit de monoloog van Todo sobre mi madre (Alles over mijn moeder): “Me llaman la Agrado” (Ze noemen mij de aangename). Het is immers een proces van charmeren en vertrouwen om deze mannen te overtuigen om het onderwerp en het voorwerp van de foto te laten worden, om hen “mooi te laten voelen”, om de blik van diegene die hen bekijkt te doen stralen.

Der spanische Videokünstler und Fotograf David Disparos zelebriert den – wohlgemerkt maskulinen – Körper. Seine nackten und selbstbewussten Modelle starren auf das gegen sie gerichtete Objektiv, und ihre Muskeln versinken im Wechselspiel mit umliegenden Farben und Gebäuden. Auch wenn die Lichtbrechungen mithilfe von Spiegeln manipuliert werden, die die sengende spanische Sonne spiegeln sollen, wird jede Pose, jeder Blick oder bloße Intention vom Modell erzeugt.
Seit 2004 beschäftigt sich David Disparos mit selbstherrlichen Körpern kurzlebiger Begegnungen. Seine Fotografien wirken gleichermaßen ästhetisch und therapeutisch und sind das Ergebnis eines in die Länge gezogenen, verführerischen Balletts bzw. eines Dreiertanzes zwischen Subjekt, Fotograf und dessen Kamera.
David Disparos macht keinen Hehl daraus, sich von Modellen mit überentwickelter bestialischer Männlichkeit, gemäß den Stereotypen heterosexueller Virilität, angezogen zu fühlen. Die Darstellung viriler Brustmuskeln unter dem Einfluss der Zeilen eines gewissen Tom of Finland verhalf der damaligen Schwulenszene zu einem neuen Selbstbewusstsein. Heute jedoch mutet sie eher an wie eine Zwangsjacke, die zahlreiche Fragen aufwirft. Dieses Hinterfragen kommt hier durch jenes machohafte Vergnügen zum Ausdruck, das der Künstler beim Aufdecken und Bändigen der Widersprüche dieser großspurigen Virilität verspürt. Diese Mechanismen des Begehrens, von denen nur einige Fragmente zu sehen sind, beschreibt David anhand des Monologs im Almodóvar-Film „Alles über meine Mutter“, in dem es heißt: „Me llaman la Agrado“ oder „Sie nennen mich die Freundlichkeit“. Denn diese Männer dazu zu bringen, gleichzeitig Subjekt und Objekt der Fotografie zu verkörpern, „sich schön zu fühlen“ und den Blick ihrer Bewunderer zu erhaschen, ist ein Wagnis, das nur mit Hingabe und Vertrauen gelingen kann.

David Disparos, a Spanish video maker and photographer, also celebrates the body, but this time in its masculine form. His naked and proud models probe the lens that snaps away at them and their muscles make light of the colours and architecture surrounding them. Whilst shards of light are crafted using mirrors reflecting the blazing sun in Spain, each pose, gaze or raw intention emanates from the model.
Since 2004, David Disparos has been exploring the arrogant bodies of fleeting encounters. These photographs, which are both an aesthetic and therapeutic act, are the result of a languorously drawn-out process, a seductive ballet and three-way dance between the subject, photographer and his camera.
David willingly confesses that he is attracted to models boasting bestial, over-developed masculinity in keeping with the stereotypes of heterosexual virility. Whilst at the time and according to the art of Tom of Finland, depictions of muchly macho pectorals were vectors of emancipation for the members of the gay community, today they seem more like typecasting that needs to be questioned. Such calling into question is apparent here through the cheeky pleasure that the artist takes in revealing and taming the contradictions of this loudmouthed virility. Into these mechanisms of desire, of which we only glimpse a few fragments, David digs deep, to describe them, in the words of Almodovar from the monologue in All About My Mother: “Me llaman la Agrado”; the call me the pleasant one. For it is a genuine undertaking of charm and trust required to get these men to embody both the subject and object of the photograph by themselves, to help them “feel beautiful”, to seek to thrill the gaze of whomsoever contemplates them.

RARE David Disparos

Lise Duclaux - "LES ERRANTES NATURELLES"

Arpentant les chaussées, explorant les recoins, l’artiste Lise Duclaux dresse le portrait de la végétation sauvage des villes qu’elle traverse. Dessins de plantes et de graines créent l’inventaire de motifs qui se déploient et se multiplient sur la vitre du magasin. La vitrine commerciale est détournée pour devenir un carnet de note à ciel ouvert où se côtoient rythme des saisons et réflexions philosophiques. Tissant des liens poétiques avec l’existence individuelle et collective de l’Homme, Lise Duclaux transpose ses observations dans un travail d’écriture et de mise en espace des phrases. Se glisse une portée révolutionnaire dans la parallèle faite entre monde végétal et monde humain. La nature inattendue surgissant dans la ville questionne notre rapport conflictuel à elle. De Bruxelles à New York en passant par Liège, l’artiste constate que seules quelques types de plantes poussent du sol appauvri des grandes villes. Bravant les frontières des espaces verts contrôlés par les agents d’entretien, les plantes incarnent des êtres et des idées. On nous invite à prendre conscience que l’environnement n’est pas un espace à contrôler, mais un lieu vivant à habiter et à comprendre. Sous nos pieds, se tient la Nature qui répond aux bouleversements écologiques et nous surpasse de par sa force. Marginalisée ou exclue, la végétation libre et précaire survit et les graines semées par le vent sont des actions futures en gestation. Gardez l’œil ouvert entre les pavés des trottoirs, le long des maisons citadines et vous les verrez !

Lise Duclaux vit et travaille à Bruxelles. Après des expositions personnelles au Mac’s (Grand-Hornu), à l’Iselp et à Sint Lukasgalerie (Bruxelles), M HKA (Anvers), Salomon Foundation Residency ISCP (New York), LMNO galerie (Bruxelles), au LLS Paleis (Anvers), elle montrera son travail à la Fondation Salomon (Annecy, Fr) à partir de janvier 2020.

Commissaire : Anna Ozanne

Dwalend langs wegen en op ontdekking door de uithoeken van de stad toont de artieste Lise Duclaux het beeld van de wilde vegetatie van de steden die ze doorkruist. Tekeningen van planten en zaden creëren een verzameling van motieven die op winkeletalages worden getoond en verspreid. Winkeletalages worden als het ware gebruikt als een notitieblok in open lucht waarin het ritme van de seizoenen en filosofische reflecties hand in hand gaan.

Lise Duclaux legt poëtische banden met het individuele en collectieve bestaan van de mens. Ze vertaalt haar waarnemingen in schrijfwerk en een ruimtelijke indeling van zinnen.

De parallel  tussen de wereld van plant en mens geeft een revolutionair aspect aan haar werk. De onverwachte natuur die opduikt in de stad stelt ons conflictueus verband met die natuur in vraag. Van Brussel tot New York langs Luik, de artieste stelt vast dat slechts enkele plantensoorten op de arme bodem van grote steden gedijen.

Onderhoudsmedewerkers van de stad houden de groene ruimtes in toom. Planten dagen ze uit en incarneren wezens en ideeën.

Duclaux wil ons doen beseffen dat we onze leefomgeving niet kunnen controleren. Het is een plek die we moeten begrijpen en waar we moeten samenleven. De natuur groeit onder onze voeten. Ze lijdt onder de klimaatverandering en overtreft ons door haar kracht. De verdrongen en kwetsbare vrije vegetatie overleeft. De zaadjes die door de wind gezaaid worden, dragen het leven van de toekomst in zich. Houd uw ogen op de voetpaden en trottoirs langs de huizen van de stad. U zult grote ogen trekken!

Lise Duclaux is geboren in Frankrijk. Ze woont en werkt in Brussel. Na persoonlijke tentoonstellingen in het Mac’s (Grand-Hornu), het Iselp en de Sint-Lukasgalerie (Brussel), het MuHKA (Antwerpen), de Salomon Foundation Residency ISCP (New York), de LMNO gallery (Brussel), het LLS Paleis (Antwerpen), toont ze vanaf januari 2020 haar werk in de Fondation pour l’art contemporain Claudine et Jean Marc Salomon (Annecy, Fr).

Durch die Vermessung von Straßen und das Erforschen von Schlupfwinkeln zeichnet die Künstlerin Lise Duclaux das Porträt der wilden Vegetation in den von ihr besuchten Städten. Zeichnungen von Pflanzen und Samen formen sich zu einem Inventar von Motiven zusammen, die sich im Fenster des Geschäfts auftürmen und sich vervielfältigen. Das Ladenschaufenster wird zu einem Notizbuch unter freiem Himmel umfunktioniert, in dem sich der Wechsel der Jahreszeiten und philosophische Reflexionen gegenüberstehen.

Unter Verwebung poetischer Verbindungen mit der individuellen und kollektiven Existenz des Menschen überträgt Lise Duclaux ihre Beobachtungen in die Schrift- und Satzform.

Die zwischen pflanzlicher und humaner Welt erzeugte Parallele erhält eine revolutionäre Tragweite. Die in der Stadt entstehende unerwartete Natur stellt unser mit ihr konfligierendes Verhältnis infrage. Ob in Brüssel, New York oder Lüttich: Die Künstlerin stellt fest, dass in den armen Böden der Großstädte nur wenige Pflanzenarten gedeihen.

Durch Überschreiten der Grenzen der von Gärtnern kontrollierten Grünflächen verkörpern Pflanzen Wesen und Gedanken. Wir müssen begreifen, dass die Umwelt keinen zu überwachenden Raum, sondern einen lebendigen, zum Verweilen und Verstehen einladenden Ort darstellt. Die Natur wächst unter unseren Füßen und reagiert auf ökologische Umwälzungen und übertrifft uns durch ihre Kraft.

Die an den Rand gedrängte oder ausgeschlossene freie und zerbrechliche Vegetation überlebt, und die vom Wind verstreuten Samen führen zu künftigen Reifeprozessen. Betrachten Sie die Pflastersteine der Bürgersteige und die Häuser in der Stadt – Sie werden sie sehen!

Die in Frankreich geborene Lise Duclaux lebt und arbeitet in Brüssel. Nach eigenen Ausstellungen im Mac’s (Grand-Hornu), dem Iselp und der Sint Lukasgalerie (Brüssel), dem MuHKA (Antwerpen), der Salomon Foundation Residency ISCP (New York), der Galerie LMNO (Brüssel) und im LLS Paleis (Antwerpen) stellt sie ihre Arbeit ab Januar 2020 in der Fondation pour l’art contemporain Claudine et Jean Marc Salomon (Annecy, Frankreich) aus.

Pacing along the pavements and exploring the nooks and crannies, the artiste Lise Duclaux paints a portrait of the wild vegetation in the towns and cities she visits. Drawings of plants and seeds create an inventory of patterns that deploy themselves and spread over a boutique’s window display. The shop front is hijacked to become an open air sketch-book in which the rhythm of the seasons and philosophical musings rub shoulders.

Forging poetic links with humankind’s individual and collective existence, Lise Duclaux transposes her observations into writing and the layout of sentences.

A revolutionary significance insinuates itself into the parallel drawn between the plant and human worlds. Unexpected nature bursting forth in towns and cities raises the questions of our conflictual relationship with it. From Brussels to New York via Liège, the artist has observed that only a few types of plants grow in the impoverished soils of big cities.

Braving the frontiers of green spaces controlled by park-keepers, plants embody beings and ideas. We are invited to become aware that the environment is not something to be controlled, but a vibrant place to be lived in and understood. Beneath our feet lies a nature that responds to ecological upheavals and outmatches us by virtue of its force.

Whether marginalised or outcast, free-growing but frail vegetation survives and the seeds sown by the wind are a means of future propagation. Keep your eyes on the cracks between pavement slabs running in front of town houses and you will see!

Born in France, Lise Duclaux lives and works in Brussels. Following personal exhibitions at Mac’s (Grand-Hornu), Iselp and Sint Lukasgalerie (Brussels), Muhka (Antwerp), Salomon Foundation Residency ISCP (New York), lmno gallerie (Brussels) and LLS Paleis (Antwerp), she will be exhibiting her work at the Claudine & Jean Marc Salomon Foundation for Modern Art (in Annecy, France) from January 2020.

LES ERRANTES NATURELLES Lise Duclaux

Romain Juan - "SANS TITRE"

Les rags and bones men sont l’équivalent anglais des chiffonniers, ils tiennent ce titre qu’en plus des chiffons/rags , ces hommes récupéraient aussi les os/bones de lapins dont on faisait une colle, les chiffons servaient notamment pour le papier, on peut donc conclure que ces hommes étaient la base laborieuse de l’industrie du livre.
Le chiffon des rags and bones men étaient des lambeaux de tissus, ce qui reste lorsqu’il n’y a plus d’usage, aujourd’hui on trouve des sacs de 20 kg sur internet, issus de vêtements souvent quasi neufs que l’on a détruit industriellement, car nous les achetons et les jetons en telle quantité que l’on ne sait littéralement plus quoi en faire.
Mon travail pour la vitrine part de ces chiffons , ils habilleront des os de mannequins.
RJ

Mais voici sa démarche : « Romain Juan appartient sans conteste à une génération de sculpteurs d’assemblage low-tech, employant l’appropriation d’objets en s’éloignant du readymade par un sens de l’improvisation transformant ses matériaux en éléments narratifs. Au coeur de sa démarche se trouve aussi une réflexion sur la position de l’artiste et son autoreprésentation dans l’art contemporain où Romain Juan identifie une part de mise en scène. Il s’est d’ailleurs toujours intéressé à la culture américaine de la comédie stand-up : « Il s’agit toujours de la création d’un personnage pour le plateau, d’une version amplifiée de soi-même, sans que l’on ne connaisse jamais la part de fiction » Extrait d’un texte de Nancy Suarez

Commissaire : Marine Candova

‘Rags and bones men’ is de Engelse benaming voor voddenmannen. Ze kregen deze benaming omdat ze naast vodden/rags ook botten/bones van konijnen verzamelden. Met die botten werd een soort lijm gemaakt. De doeken werden hoofdzakelijk in de papierindustrie gebruikt. We kunnen dus stellen dat deze mannen de eerste arbeiders uit de boekenindustrie waren.

De vodden van de ‘rags and bones men’ waren losse flarden stof die eigenlijk niet meer gebruikt konden worden. Vandaag vind je zakken van 20 kg op internet, hoofzakelijk uit haast nieuwe kleding die industrieel verscheurd werd. Kopen en weggooien doen we immers in dergelijk grote hoeveelheden dat we letterlijk niet meer weten wat we ermee moeten doen.

Die doeken zijn de basis van mijn werk voor de vitrine. Ze dienen als kleding voor de modellen.

RJ

„Rags and bones men“ ist die englische Bezeichnung für Lumpensammler. Den Begriff verdanken sie der Tatsache, dass sie neben Lumpen (rags) auch Knochen (bones) von Hasen sammelten, aus denen ein Klebstoff hergestellt wurde. Die Tücher wiederum wurden insbesondere für die Papierherstellung verwendet. Demgemäß ist davon auszugehen, dass diese Männer die ersten Arbeiter der Buchindustrie waren.

Die Lumpen der „rags and bones men“ bestanden aus Stofffetzen bzw. aus dem, was keine Verwendung mehr erfuhr. Heutzutage sind im Internet 20 kg schwere Taschen zu finden, häufig aus fast neuwertiger Bekleidung hergestellt, die industriell vernichtet wird, weil wir in solchen Mengen kaufen und entsorgen, dass wir buchstäblich nicht mehr wissen, was damit zu tun ist.

Diese Tücher sind die Basis meiner Arbeit für die Vitrine, sie dienen als Bekleidung der Mannequins.
RJ

Rags and bones men are the English equivalent of what is known in French-speaking Belgium as chiffonniers. The longer English title (collecting not just rags, or chiffons) comes from the fact that these men also collected rabbit bones from which glue was made. The rags in particular were used in production of paper. We can therefore conclude that these men were the worker ants of the book industry.

The rags collected by rags and bones men were shreds of fabric, the remainder of materials that no longer had any use. Today, it is possible to find 20-kg bags on the internet, made from virtually new garments that are destroyed on an industrial scale, because we buy them and dispose of them in such quantities that we literally do not know what to do with them any more. My work for the display is based on these rags and they will be used to dress the bones of shop dummies.

RJ

Romain Juan 2

Marie-Claire Krell - "THUNDERDOME"

La vitrine de Marie-Claire Krell est une fenêtre sur la ville. Sur un écran, une vidéo est diffusée en boucle. Le film donne à voir l’arrière de l’église Saint-Vincent (14e s., Liège). Cet édifice à l’architecture particulière (dôme en cuivre) devient un objet magnétique et étrange dans la ville. Le passant est confronté à des phénomènes lumineux singuliers. La vidéo témoigne de jeux de lumière par les vitraux de l’église, et depuis l’extérieur avec la météo. Résultant de recherches historiques et d’observations sur le terrain, le travail de l’artiste ne parle pas de religion, mais interroge notre relation au monde. La pointe du clocher est replacée comme repère élémentaire pour mesurer son environnement et s’orienter dans le paysage (la ligne de l’horizon étant de 5 km à la ronde). Il s’agit d’un gain en autonomie pour connaître le monde. Ce monument inaltérable de pierre, de métal et de bois s’intègre depuis des siècles dans l’architecture de la ville toujours plus dense, mettant en doute la nécessité d’inventer de nouveaux matériaux et techniques de construction dits « économiques » ou « durables ». Il s’agit d’un bénéfice intellectuel pour penser une ville ergonomique, à la « mesure de l’Homme » comme l’imagina l’architecte Le Corbusier en se basant sur les dimensions du corps humain (1945).

Marie-Claire Krell vit à Liège et travaille à Maastricht et Aix-la-Chapelle. Plasticienne (Académie des beaux-arts de Maastricht) exposée en Europe (Pays-Bas, Belgique, Hongrie…), elle travaille également dans le domaine de l’édition, la médiation et le concept d’expositions.

Commissaire : Anna Ozanne

De vitrine van Marie-Claire Krell is een venster op de stad. Een scherm toont een film die eindeloos herhaald wordt. De film geeft een beeld van de achterkant van de Sint-Vincentiuskerk (14e eeuw, Luik). Dit gebouw met een bijzondere architectuur (een koperen koepel) wordt een magnetisch en vreemd voorwerp in de stad. De voorbijganger wordt geconfronteerd met bijzondere lichtfenomenen. De video toont het lichtspel door de ramen van de kerk en de schakeringen door het weer vanaf de achterkant van de kerk.

Het werk van de artieste vloeit voort uit haar historische zoektochten en observaties op het terrein. Religie komt niet aan bod. Krell stelt onze relatie ten opzichte van de wereld in vraag. De top van de klokkentoren geldt als referentiepunt om de omgeving te overzien en zich te oriënteren in het landschap (de horizon strekt zich uit over een straal van 5 km). Hij zorgt ervoor dat iemand op eigen kracht zijn weg in de wereld kan vinden.

Dit robuuste monument van steen, metaal en hout bepaalt al eeuwenlang het architecturale beeld van de stad. Een stad die overigens steeds dichter bebouwd wordt en ons doet twijfelen of het wel noodzakelijk is om nieuwe en zogenaamd ‘economische’ of ‘duurzame’ materialen uit te vinden. Het monument daagt ons op intellectueel vlak uit om na te denken over een ergonomische stad, ‘op maat van de mens’, zoals architect Le Corbusier ontwikkelde door zich te baseren op de afmetingen van het menselijk lichaam (1945).

Marie-Claire Krell is geboren in Duitsland (Westerwald, 1983). Ze woont in Luik en werkt in Maastricht en Aken. Naast beeldend kunstenaar (Academies Beeldende Kunsten Maastricht) met tentoonstellingen in Europa (Nederland, België, Hongarije, …) is ze ook actief in de publicatiesector, meditatie en de concepten van tentoonstellingen.

Die Vitrine Marie-Claire Krells ist ein Fenster mit Blick auf die Stadt. Auf einem Bildschirm wird ein dreistündiges Video in einer Endlosschleife gezeigt. Im  Film ist die Hinteransicht der Saint-Vincent-Kirche zu sehen (14 s., Lüttich). Dieses Gebäude mit besonderer Architektur (Dom aus Kupfer) wird zu einem magnetischen und fremden Objekt in der Stadt. Passanten sind mit einzigartigen Lichtspielen konfrontiert. Das Video zeigt die durch die Kirchenfenster und außen durch das Wetter erzeugten Lichtspiele.

Das aus historischen Recherchen und Vor-Ort-Beobachtungen der Künstlerin resultierende Werk dreht sich nicht um Religion, sondern befragt uns zu unserem Verhältnis zur Welt. Die Spitze des Kirchturms wird zu einem elementaren Anhaltspunkt, um das eigene Umfeld zu messen und sich zu orientieren (die Horizontlinie befindet sich 5 km im Umkreis). Dies ermöglicht eine Eigenständigkeit, um die Welt kennen zu lernen.

Das unverwüstliche Bauwerk aus Stein, Metall und Holz verschmilzt seit Jahrhunderten mit der immer dichteren städtischen Architektur und lässt Zweifel an der Notwendigkeit aufkommen, immer neue sogenannte „wirtschaftliche“ oder „nachhaltige“ Baumaterialien und -techniken zu erfinden. Es handelt sich um die geistige Überlegenheit der Konzeption einer ergonomischen Stadt nach dem „Maß des Menschen“ – so wie einst vom Architekten Le Corbusier auf Basis der Maße des menschlichen Körpers ersonnen (1945).

Die 1983 im Westerwald, Deutschland, geborene Marie-Claire Krell lebt in Lüttich und arbeitet in Maastricht und Aachen. Die gelernte Bildhauerin (Akademie der bildenden Künste Maastricht) stellt in Europa (Niederlande, Belgien, Ungarn usw.) aus und befasst sich ebenfalls mit dem Schreiben, Mediation und Ausstellungskonzepten.

Marie-Claire Krell’s shop front is a window to the world of the city. On a screen, a video lasting three hours broadcasts continuously.The film shows the rear of the Church of Saint Vincent (dating from the 14th century in Liège). This building and its distinctive architecture (notably its copper dome) becomes a strange and magnetic objet within the city. Passers-by are confronted with unique light-related phenomena. The video bears witness to the light shows put on by the stained-glass windows of the church and the changing weather outside.

The artist’s work, which is result of historical research and observations in the field, does not address religion, but looks into our relations with the world. The spire of the bell tower is resituated as an elementary benchmark for gauging the surrounding environment and navigating the landscape (with a horizon distant at an all round radius of 5 km). It provides greater independence for discovering the world.

This steadfast monument of stone, metal and wood has blended into the increasingly dense architecture of the city for centuries, casting doubt on the need to invent new construction materials and techniques that are supposed to be “economic” or “sustainable”. It is an intellectual gain in conceiving an ergonomic city, “on a human scale” as imagined by the architect Le Corbusier based on the dimensions of the human body (1945).

Born in Germany (in Westerwald, in 1983), Marie-Claire Krell lives in Liège and works in Maastricht and Aachen. She is a plastic artist trained at the Maastricht Fine Arts Academy who has exposed her works throughout Europe (in the Netherlands, Belgium, Hungary, etc.) and also works in the domains of publishing, mediation and exhibition design.

THUNDERDOME Marie Claire Krell 3

Charlie Malgat - "AGONY"

La pratique artistique de Charlie Malgat se développe depuis plusieurs années autour d’une véritable obsession pour le vivant : « ce qui se meut, danse, convulse, se modifie puis mute pour rester en vie ». Le corps humain est  son terrain d’expérimentation : elle l’étudie, l’examine, le dissèque puis le réanime – mettant en scène des organes et bouts de chair chorégraphiés, transcendés dans un univers fictionnel immersif emprunt d’humour et de poésie, à la fois sensuel et trivial.

Utilisant tour à tour la vidéo, l’installation multimédia, la sculpture, le son ou le dessin, chaque médium nourrit et complète les diverses facettes d’un monde virtuel où se baladent allègrement une paire de fesses sonores (Les fesses qui chantent, 2019), une bouche bée jusqu’à la luette (Out, 2018), des organes dans un dernier frisson de vie (Extracting Organs, 2018) ou encore un steak synthétique, cultivé en laboratoire, livrant ses états d’âme (HD STEAK, Monocellular Spleen, 2016).

Chaque œuvre déploie de façon métonymique une partie d’un corps en un système autonome, animé par une force vitale qui palpite et qui gronde faisant surgir des sentiments originaux. L’émancipation de ces ‘objets sensibles’ [trad : feeling objects] se constituent dans un jeu de va-et-vient entre intériorité et extériorité, l’objet composé de mousse et de latex étant littéralement “fourré” (stuffed sculptures) d’une matière prête à  jaillir.

La sculpture, réalisée à l’occasion d’Art au Centre, Agony est un gros donut posé au sol. La bouche ouverte, les yeux écarquillés, la taille démesurée, en pleine lecture, ce personnage s’est en réalité évadé d’une nouvelle tribu de friandises que l’artiste conçoit pour son prochain film intitulé Sugar Free. Dernière figure anthropomorphe de cet univers, Agony est un système autonome simple, qui vomi et mange, qui mange et vomi, s’intoxique sans fin et se régénère de plus belle. Dans ce mouvement permanent, il subsiste mais il vit, et vient s’encanailler au fond de la vitrine apportant avec lui un ouvrage au titre évocateur : Unruly Art – Art disruptif, indiscipliné,  en dehors des règles.

Avec cet avant-goût, l’artiste interroge notre rapport au corps et aux substances inconnues bien que séduisantes que nous ingérons sans fin/faim jusqu’à l’indigestion. Celles-ci nous animent-elles ? Pouvons-nous percevoir la globalité de leurs effets ? Il s’agit aussi de se fier à nos organes, dont l’estomac capable, sans que nous le commandions, de rejeter hors de nous ce qui nous affecte.

Tout projection faite, la sculpture de Charlie Malgat, comme l’ensemble de son œuvre, interroge également notre rapport à l’art et à ses objets. L’envie d’insuffler la vie, de créer une sculpture vivante, dotée d’intentions propres et donc d’une mise action, place l’artiste dans une généalogie qui avant elle a travaillé le corps et l’objet comme systèmes autonomes égaux : le corps devenant objet et l’objet devenant humain. Nous sortons du cadre d’un art de la mimesis ou de la représentation, pour entrer dans un art libérateur qui prenant le corps comme objet affranchi de toutes ses fonctions naturelles peut laisser la place à l’indéterminé, l’indiscipliné et l’involontaire.

C’est donc dans une altérité non subjective, vers un autre émancipé, que prend forme l’art de Charlie Malgat, qui par la tribulation de ses objets vivants nous amène à regarder l’intérieur des systèmes qui nous entourent, souvent intoxiqués, qui échouent et se régénèrent à l’infini.

Commissaire : Sophie Delhasse

Het artistieke werk van Charlie Malgat ontwikkelt zich al verscheidene jaren als een echte obsessie voor het levende: “hetgeen beweegt, danst, kronkelt, transformeert  en muteert om in leven te blijven”. Ze experimenteert met het menselijk lichaam. Ze bestudeert het, onderzoekt het, ontleedt het en brengt het nadien terug tot leven. Ze doet dat door organen en stukken menselijk vlees te tonen in een fictieve en meeslepende wereld vol humor en poëzie, met sensuele en triviale elementen.

De kunstenaar gebruikt zowel video, multimedia-installaties, beeldhouwwerken, geluid als tekeningen. Elk medium voedt en vervolledigt de verschillende facetten van een virtuele wereld waarin zingende billen (Les fesses qui chantent, 2019), een wijd opengetrokken mond (Out, 2018) of een synthetische, in het laboratorium gekweekte steak die zijn ziel blootgeeft (HD STEAK, Monocellular Spleen, 2016) hand in hand gaan. Elk werk ontplooit op metonymische wijze een deel van het lichaam in een autonoom systeem, aangedreven door een vitale kracht die klopt en gromt en unieke gevoelens tot uiting brengt. De emancipatie van die ‘voelende objecten’ [feeling objects] komt tot uiting in een kluwen van innerlijk- en uiterlijkheid. Het object van schuim en latex is letterlijk ‘gevuld’ (stuffed sculptures) met een materie die op elk moment kan opspuiten.

Het beeldhouwwerk dat gemaakt werd voor ‘Art au Centre’ kreeg de naam Agony. Het is een grote donut op de grond met open mond, wijd opengesperde ogen en diep verzonken in een boek. Het personage is in werkelijkheid ontsnapt uit een groep snoepjes die de artieste voor haar volgende film Sugar Free ontwerpt. Agony is de laatste antropomorfe figuur uit deze wereld. Het is een zelfstandig en eenvoudig systeem dat braakt en eet, dat eet en braakt, zich eindeloos bedwelmd en op de mooiste manier terug tot leven komt. Agony ondergaat deze voortdurende bewegingen maar (over)leeft. Het leidt tot het werk met de sprekende titel: Unruly Art – Verstorende, ongedisciplineerde kunst die buiten de lijntjes kleurt.

Met dit voorsmaakje doet de artiest ons nadenken over de band met ons lichaam en de onbekende maar verleidelijke substanties die we zonder ophouden/honger verorberen tot we ze volledig verteerd hebben. Geven zij ons kracht? Zien we alle effecten die ze op ons hebben? Vertrouwen in onze organen speelt een belangrijke rol. Denken we maar aan de maag die, zonder dat we hier vat op hebben, uitbraakt wat ons schade berokkent.

De beeldhouwwerken van Charlie Malgat stellen, net als haar volledige oeuvre, onze band tussen kunst en haar voorwerpen in vraag. De zin om het leven als het ware leven in te blazen, een levendig beeldhouwwerk te creëren, met eigen intenties en een vorm van beweging, plaatst de artieste in een genealogie die voor haar het lichaam en het voorwerp als gelijke, autonome systemen behandelt: het lichaam wordt voorwerp en het voorwerp wordt menselijk. We stappen uit het kader van een kunst van de nabootsing of voorstelling en treden binnen in een bevrijdende kunst die het lichaam gebruikt als voorwerp dat van al haar natuurlijke functies ontdaan is. Deze kunst laat plaats aan het onbepaalde, het ongedisciplineerde en het onvrijwillige. Het is dus in een niet-subjectieve vorm van anders zijn, richting een andere vorm van anticipatie, dat de kunst van Charlie Malgat vorm krijgt. Ze nodigt ons via de verdrukking van haar levende voorwerpen uit om de systemen die ons omringen vanbinnen te bekijken. Systemen die vaak bedwelmd zijn, falen en zich eindeloos vernieuwen.

Sophie DELHASSE

Das künstlerische Schaffen Charlie Malgats entwickelt sich seit mehreren Jahren aus einer echten Besessenheit für alles Lebendige: „Was sich bewegt, tanzt, verzerrt, ändert und versetzt sich, um lebendig zu bleiben.“ Ihr Experimentierfeld ist der menschliche Körper. Sie studiert, untersucht, seziert und belebt ihn anschließend wieder. Dabei inszeniert sie Choreografien mit Organen und Fleischstücken, die in einem fiktiven, zugleich von sinnlichem und trivialem Humor und Poesie geprägten Universum transzendieren.

Abwechselnd setzt sie Videos, Multimedia-Installationen, Skulpturen, Ton oder Zeichnungen ein. Jedes Medium nährt und vervollständigt die verschiedenen Facetten einer virtuellen Welt, in der sich zwei singende Gesäßhälften (Les fesses qui chantent, 2019), ein bis zum Zäpfchen offener Mund (Out, 2018), ihren letzten Lebenshauch ausstoßende Organe (Extracting Organs, 2018) oder ein synthetisches, im Labor hergestelltes Steak, das seinen Gemütszustand preisgibt (HD STEAK, Monocellular Spleen, 2016), munter fortbewegen.

In jedem Werk entfaltet sich in metonymischer Weise ein Teil des Körpers als autonomes System, das durch vibrierende  Lebenskraft angetrieben wird und unter brummenden Geräuschen eigentümliche Gefühle hervorbringt. Die Emanzipation dieser „fühlenden Objekte“ vollzieht sich in einem Hin und Her zwischen Innerlichkeit und Äußerlichkeit, wobei das aus Schaum und Latex bestehende Objekt buchstäblich mit einem Material gefüllt ist (stuffed sculptures), das jederzeit ausströmen kann.

Die anlässlich von Art au Centre geschaffene Skulptur Agony ist ein auf dem Boden liegender riesiger Donut. Mit offenem Mund, weit aufgerissenen Augen, gigantischer Größe und mitten im Lesen ist dieser Protagonist in Wahrheit vor einem neuen „Süßigkeitenstamm“ geflohen, den die Künstlerin für ihren nächsten Film mit dem Titel Sugar Free konzipiert. Als letzte anthropomorphe Figur dieses Universums handelt es sich bei Agony um ein einfaches autonomes System, das sich übergibt und isst, isst und sich übergibt, sich unablässig den Magen verdirbt und sich auf geniale Weise regeneriert. In dieser permanenten Bewegung existiert es. Doch es lebt und hat sich gerade mit dem Boden der Vitrine eingelassen, das ihm ein Werk mit bezeichnendem Titel beschert: Unruly Art – disruptive, undisziplinierte von Regeln losgelöste Kunst.

Mit diesem Vorgeschmack befragt uns die Künstlerin zu unserem Verhältnis zu unserem Körper und jenen unbekannten, aber doch verführerischen Substanzen, die wir unablässig und ohne Hunger schlucken, bis unser Magen streikt. Machen uns diese Substanzen aus? Können wir die gesamte Tragweite ihrer Wirkungen überschauen? Wir müssen uns ebenfalls auf unsere Organe verlassen, darunter unser Magen, der alles, was uns schadet, aus uns herauszuwerfen vermag.

Wie das gesamte Werk Charlie Malgats will auch ihre Skulptur von uns wissen, wie wir zur Kunst und ihren Objekten stehen. Die Lust, Leben einzuhauchen, eine lebendige Skulptur mit wahren Absichten und Handlungen zu schaffen, versetzt die Künstlerin in eine Genealogie, die Körper und Objekt vor ihr als gleichwertige autonome Systeme behandelt hat: der zum Objekt werdende Körper und das zum Menschen werdende Objekt. Wir verlassen hier den Rahmen einer Mimesis- oder Darstellungskunst und begeben uns zu einer befreienden Kunst, die – unter Betrachtung des Körpers als ein von allen natürlichen Funktionen befreites Objekt – dem Unbestimmten, Undisziplinierten und Unfreiwilligen weichen kann.

Demgemäß ist es eine nicht subjektive, zu einer anderen Emanzipation tendierende Andersheit, die die Kunst Charlie Malgats ausmacht, die uns über die Widerwärtigkeit ihrer lebendigen Objekte dazu bringt, das Innenleben der uns umgebenden, häufig vergifteten Systeme zu betrachten, die unendliche Male zusammenbrechen und sich wieder regenerieren.

Sophie DELHASSE

Charlie Malgat’s artistic practice has developed over the years around a true obsession for the living:
« that which moves, dances, convulses, modifies itself and then mutates so as to stay alive ». The
human body is her land of experimentation: she studies, examines, dissects, and then revives
it—directing choreographed organs and pieces of flesh that transcend towards an immersive, fictional
universe sampled from humor and poetry, both sensual and trivial.
Alternating between video, multimedia installations, sculpture, sound, and drawing, each medium
nourishes and completes diverse facettes of a virtual world where a pair of sonorous buttocks merrily
stroll (Les Fesses Qui Chantent / The Singing Ass, 2019), a mouth gapes back at the uvula (Out,
2018), organs are in their last throes of life (Extracting Organs, 2018), or yet where a synthetic
lab-created steak shares the state of its soul (HD STEAK, Monocellular Spleen, 2016).
Each work metonymically deploys a part of the body in an independent system, driven by a vital
energy which throbs and rumbles, summoning original feelings. The emancipation of these « feeling
objects » is constituted by a to-and-fro game, that which is between interiority and exteriority: the
object (i.e., stuffed sculptures) composed of foam and latex is literally « stuffed » with a matter ready
to gush out.
The sculpture Agony, made for the exhibition Art au Centre, is a large donut placed on the ground.
Oversized, with its mouth and eyes wide open and on full display, this character has actually escaped
from a new tribe of delicacies that the artist has created for her next film entitled Sugar Free. Behind
the anthropomorphic figure of this universe, Agony is a simple autonomous system which purges and
binges, purges and binges, endlessly intoxicates itself and then regenerates to become more
beautiful. In this ongoing cycle, it hangs on but lives, slumming at the very bottom of the showcase, in
an undisciplined position, seeking to activate his regenerative process.
Through this installation, the artist interrogates our relationship to the body and to the unknown
substances that are so seductive that we ingest them without end, without hunger, to the point of
indigestion. Do these substances enliven us? Can we anticipate the entirety of their effects? We also
must rely on our organs, of which our stomach is capable, to reject what effects us without ordering it
to do so.
In all, the sculpture of Charlie Malgat and the ensemble of her work also questions our relationship to
art and to its objects. The desire to breath life into, or to create, a living sculpture (endowed with its
own intentions and its own method of operating) situates the artist in a lineage which had previously
treated the body and the object as autonomous systems: the body becomes an object and the object
becomes a human. We are taken beyond the category of art as mimesis or representation, in order to
enter a liberating art form. This art designates the body as an object which, emancipated from all
natural functions, can make way for the undetermined, the unruly, and the involuntary.
It is therefore in a non-subjective otherness and toward an emancipated other that the art of Charlie
Malgat takes shape. Through the tribulations of her living objects, she encourages us to examine the
often-intoxicated insides of systems that surround us, which fail and regenerate infinitely

Sophie Delhasse

AGONY Charlie Malgat 1

Xavier Mary - "OH MY BUDDAH"

Né à Liège, en 1982, Xavier Mary a étudié à l’École de Recherche Graphique (ERG), à Bruxelles, avant d’enchaîner de nombreuses expositions personnelles et de groupe. Sa pratique artistique se caractérise par une forme de syncrétisme esthétique, produit par un mélange d’influences formelles très diverses. Il s’inspire de motifs ou de thèmes issus d’univers très différents, éloignés esthétiquement, géographiquement ou historiquement : cinéma mainstream, musiques électroniques, rituels traditionnels et architectures anciennes issues de civilisations très différentes, tuning automobile ou de camion, rave parties, etc.

Ces inspirations éparses sont ensuite fusionnées pour donner naissance à des formes construites à partir d’éléments industriels  bruts, rappelant les principaux courants de l’art du XXe siècle (minimalisme, abstraction, art conceptuel). Une des grandes qualités de Xavier Mary réside dans sa capacité instinctive à créer des sculptures à l’esthétique industrielle qui, explique-t-il, « se dressent comme les vestiges du rêve de la modernité. » C’est en ce sens que l’on peut considérer que son langage plastique est caractéristique du XXIe siècle mondialisé dont il en capte les formes qui y circulent massivement afin d’en exprimer un sentiment de finitude désenchantée.

Alors qu’il était au Cambodge, pour préparer son importante exposition au BPS22, à Charleroi, Xavier Mary s’est arreté dans un village sculpteurs où il a été séduit par un gros bloc de pierre à peine dégrossi, dans lequel apparaissaient les premiers contours d’un Bouddha assis. Il a alors modélisé cette forme pour la reproduire en 3D. Ainsi réinterprétée, l’ébauche de cette œuvre canonique de la tradition bouddhique se mue en une icône d’une post-modernité désenchantée, oscillant entre abstraction et figuration, décrépitude et potentialité, trace d’un passé révolu ou possibilité d’un futur à venir.

Xavier Mary est représenté par les galeries Baronian Xippas (Bruxelles) et Nosbaum Reding (Luxembourg).

Commissaire : Pierre Olivier Rollin

Xavier Mary is in 1982 geboren in Luik. Hij studeerde aan de École de Recherche Graphique (ERG) in Brussel, voordat hij vele persoonlijke en groepstentoonstellingen verwezenlijkte. Zijn werk kenmerkt zich door een vorm van esthetisch syncretisme, ontstaan uit een samensmelting van zeer diverse, formele invloeden. Hij haalt zijn inspiratie uit uiteenlopende thema’s en motieven die op esthetisch, geografisch of historisch vlak weinig met elkaar te maken hebben: mainstream cinema, elektronische muziek, traditionele rituelen en oude architectuur uit diverse beschavingen, vrachtwagen- of autotuning, rave party’s, enz.

Die onsamenhangende inspiratiebronnen worden vervolgens samengebracht tot vormen op basis van ruwe industriële elementen die verwijzen naar de belangrijkste kunststromingen van de 20e eeuw (minimalisme, abstractie, conceptuele kunst). Een van de grootste kwaliteiten van Xavier Mary is zijn instinctieve vermogen om beeldhouwwerken met een industriële esthetiek te creëren. Die werken omschrijft hij als “de overblijfselen van de droom van de moderne wereld”. In dat opzicht is zijn plastisch taalgebruik kenmerkend voor de geglobaliseerde 21e eeuw. De kunstenaar vervat de vele vormen uit deze wereld om een gevoel van gedesillusioneerde eindigheid uit te drukken.

Tijdens zijn verblijf in Cambodja, waar hij zijn belangrijke tentoonstelling in het BPS22 in Charleroi voorbereidde, trok Xavier Mary naar een beeldhouwersdorp waar hij gefascineerd werd door een grote, amper bewerkte stenen blok met de contouren van een zittende boeddha. De kunstenaar maakte een model van deze vorm die hij in 3D nabootste. Het nieuwe ontwerp van dit aanbeden beeld uit de boeddhistische traditie groeit uit tot een icoon van een gedesillusioneerde postmoderniteit die zweeft tussen abstractie en figuratie, aftakeling en potentialiteit, als spoor van een vervlogen verleden of mogelijkheid voor de toekomst.

Xavier Mary wordt door de galerijen Baronian Xippas (Brussel) en Nosbaum Reding (Luxemburg) vertegenwoordigd.

Born in Liège, in 1982, Xavier Mary studied at the École de Recherche Graphique (ERG / Graphic Research College), in Brussels, before going on to take part in many personal and group exhibitions. His artistic methods are characterised by forms of aesthetic syncretism, produced by a mix of very diverse formal influences. He is inspired by patterns or themes originating from very different universes, which are aesthetically, geographically or historically distant: mainstream cinema, electronic music, traditional rituals and ancient architecture from very different civilisations, automobile or truck tuning, rave parties, etc.

These scattered inspirations are then merged to give rise to forms constructed from raw industrial elements, calling back to the many artistic currents of the 20th century (minimalism, abstraction and conceptual art). One of Xavier Mary’s major qualities lies in his instinctive capacity to create sculptures with industrial aesthetics which, he explains, “stand as vestiges of the dream of modernity”. It is with this in mind that we can consider that his artistic language is characteristic of the globalised 21st century whose widely spread forms he captures in order to express a feeling of disillusioned finiteness.

Whilst he was in Cambodia, to prepare his important exhibition at BPS22, in Charleroi, Xavier Mary stopped in a village of sculptors where a large block of rough-hewn stone caught his eye, on which the initial contours of a sitting Buddha were starting to appear. He chose to carry out modelling of this shape to reproduce it in 3D. Thus reinterpreted, the rough outline of this canonical work of the Buddhist tradition evolved into an icon of disillusioned post-modernity, swinging between abstraction and portrayal, decay and potential, a trace of a bygone past or the possibility of a pending future.

Xavier Mary is represented by the galleries of Baronian Xippas (Brussels) and Nosbaum Reding (Luxembourg).

OH MY BUDDAH Xavier Mary 6

Sophie Maupetit & Andrea Radermacher-Mennicken - "SEXY BOYS"

Sexy boy Sexy boy

Où sont tes héros aux corps d’athlètes

Où sont tes idoles mal rasées, bien habillées

Sexy boy Sexy boy

Dans leurs yeux des dollars

Dans leurs sourires des diamants

Moi aussi, un jour je serai beau comme un Dieu

Sexy boy Sexy boy

Apollon 2000 zéro défauts, vingt et un an

C’est l’homme idéal charme au masculin

Sexy boy Sexy boy

Sexy Boy, Air, 1998

La routine nous rythme. Le travail paie. La sueur nous détend.

Ici, ça sent le musc. La performance, le challenge, motivent. Se surpasser, devenir un « surhomme » hante, alors l’entraînement intense devient le tempo du quotidien. Cette barre, il faut la franchir, quitte à échouer deux mille fois, quitte à se blesser. Les muscles, sous la peau luisante, congestionnent après la poussée de la fonte. Les chiffres, les tracés, les angles sont étudiés et combinés afin que le fruit soit absolu.
Ensuite, il y a le lendemain. On recommence, comme un motif, comme un mouvement perpétuel, afin de repousser encore ses limites et surtout celles des autres. Car, il faut briller et éblouir.

Sophie Maupetit et Andrea Radermacher-Mennicken proposent des œuvres (installations-vidéos) en correspondance dans deux vitrines.

Sophie Maupetit, née à Roanne (1974, France), vit et travaille à Liège (depuis 1998).
Andrea Radermacher-Mennicken, née à Eupen (1964, Belgique), vit et travaille à Raeren (Belgique).

Commissaire : Mikail Koçak

Sexy boy Sexy boy

Où sont tes héros aux corps d’athlètes

Où sont tes idoles mal rasées, bien habillées

Sexy boy Sexy boy

Dans leurs yeux des dollars

Dans leurs sourires des diamants

Moi aussi, un jour je serai beau comme un Dieu

Sexy boy Sexy boy

Apollon 2000 zéro défauts, vingt et un an

C’est l’homme idéal charme au masculin

Sexy boy Sexy boy

Sexy Boy, Air, 1998

Routine geeft ons ritme. Werk geeft ons geld. Zweet geeft ons ontspanning.

Hier ruikt het naar muskus. Prestatie en uitdaging motiveren. Zichzelf overtreffen om een ‘übermensch’ te worden, achtervolgt ons. Intense trainingen worden het tempo van het dagelijkse leven. We moeten over die lat heen, ook al mislukken we duizend keer, ook al blesseren we ons. Spieren verstijven onder onze glimmende huid na een intensieve training. Cijfers, schema’s, posities worden bestudeerd om een optimaal resultaat te bekomen.

De dag nadien beginnen we gewoon opnieuw, zoals een leitmotiv, zoals een eeuwigdurende beweging, om onze grenzen en vooral die van anderen te verleggen. We moeten immers schitteren en uitblinken.

Sophie Maupetit en Andrea Radermacher-Mennicken tonen hun werken (installaties-video’s) samen in twee vitrines.

Mikail Koçak

Sophie Maupetit, geboren in Roanne (1974, Frankrijk), woont en werkt in Luik (sinds 1998).
Andrea Radermacher-Mennicken, geboren in Eupen (1964, België), woont en werkt in  Raeren (België).

Sexy boy Sexy boy

Où sont tes héros aux corps d’athlètes

Où sont tes idoles mal rasées, bien habillées

Sexy boy Sexy boy

Dans leurs yeux des dollars

Dans leurs sourires des diamants

Moi aussi, un jour je serai beau comme un Dieu

Sexy boy Sexy boy

Apollon 2000 zéro défauts, vingt et un an

C’est l’homme idéal charme au masculin

Sexy boy Sexy boy

Sexy Boy, Air, 1998

Routine gibt uns Rhythmus. Arbeit gibt uns Geld. Schweiß gibt uns Entspannung.

Hier riecht es nach Moschus. Leistung und Herausforderungen motivieren. Sich selbst zu übertreffen und zu einem „Übermenschen“ zu werden, verfolgt uns. Folglich bestimmt intensiver Drill das Tempo in unserem Alltag. Diese Messlatte gilt es zu überwinden – und wenn wir noch so oft scheitern oder uns Leid zufügen. Die Muskeln unter der leuchtenden Haut färben sich unter der Last des Metalls hochrot. Zahlen, Pläne und Winkel werden analysiert und kombiniert, um das Optimum herauszuholen.
Am nächsten Tag geht es weiter: Getrieben von einem Leitmotiv, einer unablässigen Bewegung fängt man wieder an, um die eigenen Grenzen und insbesondere die der anderen noch weiter zu verschieben. Denn es zählt nur eines: Glänzen und Beeindrucken.

Sophie Maupetit und Andrea Radermacher-Mennicken stellen Videoinstallationen aus, die zwischen zwei Vitrinen kommunizieren.

Mikail Koçak

Sophie Maupetit, geboren 1974 in Roanne, Frankreich, lebt und arbeitet in Lüttich (seit 1998).
Andrea Radermacher-Mennicken, geboren 1964 in Eupen, Belgien, lebt und arbeitet in Raeren, Belgien.

Sexy boy Sexy boy

Où sont tes héros aux corps d’athlètes

Où sont tes idoles mal rasées, bien habillées

Sexy boy Sexy boy

Dans leurs yeux des dollars

Dans leurs sourires des diamants

Moi aussi, un jour je serai beau comme un Dieu

Sexy boy Sexy boy

Apollon 2000 zéro défauts, vingt et un an

C’est l’homme idéal charme au masculin

Sexy boy Sexy boy

Sexy Boy, Air, 1998

Routine sets our tempo. Work always pays. Perspiration relaxes us.

It smells of musk here. Performance and challenges motivate us. Excelling ourselves, becoming a “superman” preys on us, so intense training becomes the tempo of day-to-day life. Milestones are there to be reached, even if it takes two thousand attempts and even injury. Muscles, below glossy skin, become congested after pumping iron. Figures, outlines and angles are studied and combined to make the fruit absolute.
Then it is the following day. We start again, like a pattern, a perpetual motion, to push our boundaries even further back and especially those of others, because you have to shine and dazzle.

Sophie Maupetit and Andrea Radermacher-Mennicken propose corresponding installation / video works in two window displays.

Mikail Koçak

Sophie Maupetit, born in Roanne (in 1974, in France), lives and works in Liège (and has done since 1998).
Andrea Radermacher-Mennicken, born in Eupen (in 1964, in Belgium), lives and works in Raeren (in Belgium).

Sexy boys

Simon Médard - "BAO TẢI DỨA"

“Artiste autodidacte, Simon Medard, à force de recherches, d’expérimentations et de rencontres, a développé un univers protéiforme et multidimensionnel. Héritier d’une décennie qui a vu naître internet, Simon Medard, curieux de tout, collectionneur affamé et mangeur d’images, jongle avec d’innombrables influences. Amateur de paradoxes, il travaille essentiellement en collectif pour mieux dénoncer la solitude (dé)générée par la multiplication des écrans et des canaux de communication. Ses installations sont un foisonnement de dessins et peintures au geste épuré, une nécessité d’aller à l’essentiel. Passé au filtre de ses obsessions, le quotidien revêt une nouvelle narration à travers des formes simples. Si les couleurs et les motifs récurrents possèdent une candeur enfantine, quelques aphorismes bien sentis, disséminés ça et là, rappellent, à la manière d’un memento mori, la vacuité de l’existence. Les différents médiums composent un tout homogène, une forme de synesthésie sensorielle pour le spectateur, où la vidéo devient une peinture en mouvement, l’installation une vidéo à travers laquelle se déplacer.” – Pauline Salinas

“Entre octobre et décembre 2018, Simon Médard est au Vietnam pour participer à la résidence live.make.share d’Undecided Production. Avec 5 autres artistes invités, il vit et travaille au contact des artisans dans la fabrique de céramique traditionnelle de Hien Van, au nord-est de Hanoï. La région est propice au balade en moto et les escapades sont riches en étonnements comme en matière première. Sur place, il réalise plusieurs vidéos, dessine, à son habitude, énormément et s’essaye avec beaucoup de plaisir à la céramique. Il produit également un important corpus de peintures sur sacs dont est tirée l’installation BAO TẢI DỨA.

Ces sacs en fils de plastique tissés se retrouvent un peu partout au Vietnam. Les commerçants les utilisent comme contenant pour divers produits et matériaux, les agriculteurs y conservent leurs semences et les habitants y jettent leurs déchets. Attiré dans un premier temps par les étranges marques et logos qui les décorent, l’artiste les collectionne, glane par-ci par-là de nouvelles couleurs et formes. Il utilise ensuite certains des sacs comme supports de ses peintures qu’il imagine déjà exposées remplies de toutes sortes de choses.

Dans les sujets qu’il représente, on trouve des souvenirs de balades, des traditions locales et des objets de son quotidien qui s’ajoutent aux personnages et gestes coutumiers de l’artiste. Chaque peinture est une sorte de symbole de son séjour au Vietnam, le résumé d’un moment captivant ou d’une belle histoire. Parmi ces motifs, en guise d’exemple, un bouquet posé sur une poubelle, comme l’artiste en a beaucoup vu durant son voyage. Bien que ces fleurs semblent fraîchement coupées, elles sont déjà sur le point d’être jetées. La superstition veut qu’elles quittent la maison avant d’avoir pu commencer à fâner.”

Commissaire : Maxime Moinet

De autodidactische kunstenaar Simon Medard heeft via onderzoek, experimenten en ontmoetingen een veelzijdige en multidimensionale wereld ontwikkeld. Deze kunstenaar is opgegroeid in een periode waarin het internet het levenslicht zag. Medard is een uitermate nieuwsgierige geest, een verwoede verzamelaar en verslinder van beelden. In zijn werken speelt hij met talrijke invloeden. Deze kunstenaar houdt van tegenstellingen en werkt haast uitsluitend in collectief om de eenzaamheid die de digitale communicatiekanalen en beeldschermen (de)genereren aan de kaak te stellen. Zijn installaties zijn een verzameling van pure schilderijen en tekeningen die de noodzaak vervatten om terug naar de essentie te grijpen. Nadat het dagelijkse leven de filters van zijn obsessie doorkruist heeft, creëert het een nieuw verhaal met eenvoudige vormen. Hoewel de terugkerende kleuren en motieven een kinderlijke onschuld illustreren, herinneren enkele doordachte aforismen, zoals een memento mori, aan de leegte van het bestaan. De verschillende media creëren een homogeen geheel, een vorm van sensoriële synesthesie voor de toeschouwer, waarin video een schilderij in beweging wordt en de installatie uitgroeit tot een video waarin we ons verplaatsen.” – Pauline Salinas

Van oktober tot december 2018 was Simon Médard in Vietnam om deel te nemen aan de residentie live.make.share van Undecided Production. Samen met vijf andere uitgenodigde artiesten leefde en werkt hij met de ambachtslieden uit de traditionele keramiekfabriek van Hien Van, in het noordoosten van Hanoï. De regio is een paradijs voor motorliefhebbers die er van de ene verbazing in de andere vallen. Ter plaatste maakte hij verschillende video’s, tekende hij naar zijn gewoonte ontzettend veel en waagde hij zich met veel plezier aan keramiek. Hij maakte daarnaast ook een groot aantal schilderijen over tassen die als basis dienden voor de installatie BAO TẢI DỨA.

Deze tassen van geweven plastic draad zijn overal in Vietnam te vinden. De handelaars gebruiken ze om er hun producten en goederen in te stoppen, landbouwers bewaren er hun zaden in en de bewoners gebruiken ze als afvalzak. De kunstenaar raakte gefascineerd door de bijzondere merken en logo’s op de tassen. Hij verzamelt ze en maakt er nieuwe kleuren en vormen mee. Vervolgens gebruikt hij bepaalde tassen als canvas voor zijn schilderijen die hij zich, gevuld met allerlei mogelijke voorwerpen, voorstelt in een tentoonstelling.

De onderwerpen die de kunstenaar toont verwijzen naar herinneringen aan reizen, lokale tradities en voorwerpen uit zijn dagelijkse leven die aansluiten bij de personages en gewoontes van de artiest. Elk schilderij is een soort symbool van zijn verblijf in Vietnam, een samenvatting van een aangrijpend moment of een mooi verhaal. Een van die motieven is bijvoorbeeld een boeket bloemen op een vuilnisbak die de artiest tijdens zijn reis vaak heeft gezien. Hoewel de bloemen vers geplukt lijken te zijn, zal het niet lang meer duren voordat ze weggegooid worden. Uit bijgeloof moeten de bloemen het huis verlaten voordat ze beginnen te verwelken.” – Maxime Moinet

„Der autodidaktische Künstler Simon Medard hat durch Forschung, Experimente und Begegnungen ein vielseitiges und dimensionsübergreifendes Universum entwickelt. Der aus einem Jahrzehnt, in dem das Internet entstand, stammende und vielseitig interessierte Simon Medard ist ein unersättlicher Sammler und Verarbeiter von Bildern, der mit zahlreichen Einflüssen spielt. Als Liebhaber des Paradoxen arbeitet er in erster Linie im Kollektiv, um die durch die rasende Verbreitung von Bildschirmen und Kommunikationskanälen (de)generierte Einsamkeit besser anprangern zu können. Seine Installationen sind ein Sammelsurium feinster Zeichnungen und Bilder, die die Notwendigkeit verkörpern, sich auf das Wesentliche zu beschränken. Nachdem der Alltag durch den Filter seiner Besessenheit gegangen ist, spiegelt er eine neuartige Geschichte in einfachen Formen wider. Auch wenn wiederkehrende Farben und Motive von kindischer Naivität gezeichnet sind, erinnern vereinzelte durchdachte Aphorismen nach Manier eines Memento mori an die Leere der Existenz. Die verschiedenen Medien formen sich zu einem homogenen Ganzen, einer Art sensorischer Synästhesie für den Zuschauer zusammen, wo Videos zu lebendigen Bildern und Installationen zu einem Video werden, über das wir uns fortbewegen.“ – Pauline Salinas

„Simon Médard nahm von Oktober bis Dezember 2018 in Vietnam am Residenzprogramm live.make.share von Undecided Production teil. Zusammen mit fünf weiteren eingeladenen Künstlern lebte und arbeitete er in Kontakt mit Handwerkern der traditionellen Keramikfabrik in Hien Van im Nordosten Hanois. Die Region eignet sich gut für die Erkundung mit dem Motorrad, und die Fahrten versprechen nachhaltige und inspirierende Eindrücke. Vor Ort kreierte er mehrere Videos, zeichnete sehr viel nach seiner Manier und versuchte sich mit viel Begeisterung an der Keramikkunst. Ebenso schuf er einen großen Fundus an Bildern auf Taschen, zu denen die Installation BAO TẢI DỨA gehört.

Diese Taschen aus verwebten Plastikstreifen sind in Vietnam nahezu allgegenwärtig. Gewerbetreibende nutzen sie als Behältnis für verschiedene Produkte und Materialien, Landwirte als Tasche für ihre Samen, während die Bevölkerung damit ihren Abfall entsorgt. Der zunächst von den eigentümlichen Marken und Logos auf den Taschen faszinierte Künstler sammelt die Taschen und macht mitunter neue Farben und Formen ausfindig. Im Anschluss nutzt er bestimmte Taschen als Träger für seine Bilder, die er sich bereits als alle möglichen Gegenstände enthaltende Behältnisse in einer Ausstellung vorstellt.

In den von ihm dargestellten Themen finden sich Reminiszenzen an Ausflüge, lokale Traditionen und Alltagsgegenstände, die zu den üblichen Figuren und Gesten des Künstlers hinzukommen. Jedes Bild ist eine Art Symbol seines Aufenthalts in Vietnam, gewissermaßen die Quintessenz eines ergreifenden Moments oder einer schönen Geschichte. Unter den Motiven findet sich beispielsweise ein auf einem Mülleimer angebrachter Strauß, wie sie der Künstler während seiner Reise häufig vorfand. Obschon diese Blumen frisch geschnitten anmuten, stehen sie kurz vor der Entsorgung. Der Aberglaube will, dass man sie aus dem Haus verbannt, bevor sie verwelken.“ Maxime Moinet

Simon Medard is a self-taught artist who, by dint of research, experimentation and encounters, has developed a shape-shifting and multi-dimensional universe. The heir to a decade that witnessed the birth of the internet, Simon Medard, with curiosity for everything as well as a hunger for collecting and consuming images, juggles with countless influences. He appreciates paradoxes and essentially works in collectives which he sees as the best way of denouncing the solitude (de)generated by the multiplication of screens and communication channels. His installations are a proliferation of drawings and paintings that are purely crafted in order to get to the point. Passed through the filter of his obsessions, everyday life takes on a new narration via simple forms. Whilst the colours and recurring patterns possess a child-like character, several clearly perceived aphorisms disseminated here and there point, like a memento mori, to the vacuousness of existence. The different mediums make a uniform whole, a sort of sensorial synaesthesia for the spectator in which the video becomes a moving painting and the installation a video through which we can pass”. – Pauline Salinas

Between October and December 2018, Simon Médard was in Vietnam to take part in the Undecided Production’s live.make.share residence. With 5 other guest artists, he lived and worked in contact with the craftspeople in the traditional ceramics workshop of Hien Van, to the north of Hanoi. The region is conducive to motorbike rides and the escapades were rich in astonishments as a raw material. Whilst there, he filmed several videos, drew enormously as he often does and took much pleasure in trying his hand at ceramics. He also produced a considerable corpus of paintings on bags from which the installation BAO TẢI DỨA is derived.

These bags made of woven plastic threads can be found almost everywhere in Vietnam. Shopkeepers use them as recipients for various products and materials, farmers keep their seeds in them and the inhabitants use them as bin bags. The artist was initially attracted by the strange brands and logos with which they were decorated and started to collect them, picking up new colours and shapes here and there. He then went on to use some of these bags as mediums for his paintings which he was already imagining exhibited filled with all sorts of things.

In the subjects he depicts, souvenirs of walks, local traditions and everyday objects can often be found, to which are added figures and gestures typically used by the artist. Each painting is a sort of symbol of his stay in Vietnam, summing up an exciting moment or beautiful story. Among these patterns, by way of example, there is a bouquet of flowers laid on a dustbin, as seen often by the artist during his voyage. Although these flowers seem to be recently picked, they are about to be thrown away. According to superstition, they should be removed from the house before they have started to wilt”. – Maxime Moinet

BAO TAI DUA Simon Medard 3

Alice Nikolaeva - "FLEXIBLE SPACE"

Loisir suspendu – C’est à coup de métal et de couleurs pop qu’Alice Nikolaeva, jeune artiste russe, diplômée des Beaux-Arts de Paris, nous plonge dans un monde d’apparence légère et insouciant. Barbecue, saucisses en céramique, silhouette de cornet de glace en métal, piscine à la verticale ou encore dessin dans l’espace d’un terrain de jeu impraticable, sont autant d’éléments du loisirs qu’Alice Nikolaeva interroge, manipule et détourne pour nous mettre à distance.
Le métal comme terrain de jeu favori. Elle coupe, tord, soude, ponce, façonne et assemble les pièces faisant perdre à l’acier toute sa lourdeur. Les formes s’opposent tout en finesse.
Les sculptures d’Alice Nikolaeva sont autant de dessins en volume, dont la ligne matérialise un espace autonome figé par la rigidité du métal. Un monde du loisir suspendu, à l’orée de nos souvenirs d’enfance et du passage à la vie d’adulte.

Elodie Bernard

Commissaire :  Galerie La peau de l’ours (Bruxelles)

Sublieme ontspanning – Met staal en felle kleuren dompelt Alice Nikolaeva, een jonge Russische artieste afgestudeerd aan het Beaux-Arts de Paris, ons onder in een lichte en zorgeloze wereld. Een barbecue, keramieken worstjes, een stalen ijshoorntje, een verticaal zwembad of de voorstelling van een niet-bruikbare speelplaats zijn enkele elementen die Alice Nikolaeva in vraag stelt, manipuleert en vervormt om onze focus af te leiden.

Staal is haar favoriete materiaal. Ze versnijdt, buigt, last, schuurt, vormt en vervaardigt kunstwerken die het staal verlichten. De vormen contrasteren moeiteloos met elkaar. De beeldhouwwerken van Alice Nikolaeva zijn driedimensionale tekeningen die vorm geven aan een autonome ruimte die door de hardheid van het staal bepaald worden. Een wereld van sublieme ontspanning, op de rand van onze jeugdherinneringen en de overgang naar het volwassen leven.

Elodie Bernard

Schwebende Freizeit. Mit Stahl und grellen Farben entführt Alice Nikolaeva, eine an der Kunsthochschule Beaux-Arts de Paris ausgebildete russische Künstlerin, in eine scheinbar leichte und sorglose Welt. Grill, Würste aus Keramik, die Umrisse eines Eishörnchens aus Metall, ein vertikales Schwimmbad oder die Zeichnung eines nicht nutzbaren Spielplatzes sind Beispiele für Freizeitobjekte, die von Alice Nikolaeva hinterfragt und manipuliert werden, um uns abzulenken.

Metall zählt dabei zu ihren bevorzugten Materialien. Sie schneidet, biegt, schweißt, durchlöchert, formt und stellt die Stücke so zusammen, dass Stahl seine Schwere verliert. Die Formen bilden dabei einen sanften Kontrast. Die Skulpturen von Alice Nikolaeva sind dreidimensionale Zeichnungen, deren Linie einen autonomen, durch die Härte des Metalls gebildeten Raum offenbart. Eine Welt schwebender Freizeit, die unsere Kindheitserinnerungen und den Übergang ins Erwachsenenleben durchstreift.

Elodie Bernard

Suspended recreation – With metal and bright colours, Alice Nikolaeva (1991), a young Russian artist who graduated from the Paris School of Fine Art, immerses us in an easy-going and carefree world. Barbecue, ceramic sausages, steel ice-cream cone silhouettes, a vertical swimming pool or drawing in space of an impracticable playground are all elements that Alice Nikolaeva examines, manipulates and diverts to keep us at distance.

Steel is her stomping ground. She cuts, bends, welds, sands, shapes and assembles parts to fully lighten the burden of the steel. Shapes contrast very smoothly. The sculptures of Alice Nikolaeva are three dimensional drawings whose lines define an autonomous space that is set by the rigidity of the steel. A world of suspended recreation, on the cusp of our childhood memories and the path to adulthood.

Elodie Bernard

FLEXIBLE SPACE 7

Benjamin Ottoz - "SANS TITRE"

Dans ces nouvelles séries de froissés, Benjamin Ottoz n’hésite pas à manipuler la couleur, la confronter à d’autres, les faire dialoguer. Ce que l’on croyait organique prend des allures minérales, ce que l’on imaginait dessiné se dévoile comme une empreinte. Benjamin Ottoz ne cesse de nous surprendre, de brouiller les pistes de la perception et les frontières des médiums.
Mais, il ne faut pas prendre ce que l’on voit sur le papier pour quelque chose de figé. Ces nouveaux travaux évoquent le mouvement, l’induisent même. Impossible de saisir l’ensemble du dessin sans se déplacer. Bouger de gauche à droite, dans un mouvement à peine perceptible. Saisir la lumière qui se pose ici et là qui fait apparaître puis s’évanouir les froissements, l’image. Comme une chorégraphie dans laquelle la poussière d’argent se met à vibrer sous les rayons de la lumière. Une chorégraphie minimale et involontaire entre le regardeur et l’oeuvre.
Vibrations évanescentes – voilà peut-être les termes qui permettent le mieux de décrire ce que l’on perçoit des oeuvres de Benjamin Ottoz. Car ici, il est question de vibrations, de poussière, de perception et de réflexion.
Elodie Bernard

Commissaire :  Galerie La peau de l’ours (Bruxelles)

In zijn nieuwe reeks gekreukt papier aarzelt Benjamin Ottoz niet om kleuren te bewerken, ze met andere kleuren te confronteren en ze met elkaar in dialoog te laten gaan. Wat organisch leek te zijn wordt mineraal, wat volgens ons een tekening was, ziet eruit als een voetafdruk. Benjamin Ottoz blijft ons verbazen. Hij verstoort onze zintuigen en de grenzen van de verschillende media.

Maar geloof niet dat de dingen die u op papier ziet definitief verankerd zijn. Die nieuwe werken creëren een vorm van beweging. Het is onmogelijk om de volledige tekening te vatten zonder te bewegen. Beweeg van links naar recht, in een beweging die u nauwelijks kunt waarnemen. Grijp het licht dat de plooien, het beeld, laat zien en laat verdwijnen. Net zoals in een choreografie waarin het zilveren stof trilt door de stralen van het licht. Een minimale en onbedoelde choreografie tussen kijker en kunstwerk.

Voorbijgaande trillingen, dat zijn misschien de woorden die het best omschrijven wat we in de werken van Benjamin Ottoz waarnemen. Want hier gaat het om trillingen, stof, waarneming en reflectie.

Elodie Bernard

In seinen neuen Serien zerknitterter Objekte spielt Benjamin Ottoz couragiert mit Farben, stellt sie anderen gegenüber und setzt sie in einen Dialog. Was eigentlich als organisch galt, erhält eine mineralische Ausrichtung. Und was für eine Zeichnung betrachtet wurde, entpuppt sich als Fußabdruck. Benjamin Ottoz überrascht uns immer wieder, verwirrt unsere Sinne und überwindet die Grenzen von Medien.

Doch was auf Papier zu sehen ist, darf nicht als statisch betrachtet werden. Die neuen Werke verkörpern die Bewegung, ja rufen sie sogar hervor. Die gesamte Zeichnung lässt sich nur in der Bewegung verstehen. Am besten geht man unauffällig von links nach rechts. Oder man fängt das hier einfallende Licht ein, das die Zerknitterungen, das Bild zum Vorschein bringt und wieder in die Ferne rückt. Wie eine Choreografie, bei der der Silberstaub in den Lichtstrahlen zu vibrieren beginnt. Eine minimalistische und unbeabsichtigte Choreografie zwischen Betrachter und Kunstwerk.

Schwindende Vibrationen – mit diesem Begriff lassen sich die Eindrücke der Kunstwerke von Benjamin Ottoz möglicherweise am besten beschreiben. Denn hier ist alles Vibration, Staub, Wahrnehmung und Reflexion.

Elodie Bernard

In this new crinkled series, Benjamin Ottoz doesn’t hesitate to manipulate colour, confront it with other hues and bring them into dialogue. What seemed to be organic becomes mineral, what we thought was a drawing is like a print. Benjamin Ottoz continues to surprise us, to disturb the senses and the boundaries of mediums.

However, we should not fall into the trap of believing what we see on paper is set in stone. These new works evoke movement, even induce it. It is impossible to understand the whole picture without moving, from left to right in a barely noticeable motion, catching the light which reveals and then conceals the crinkling and picture, like in a choreography in which the silvery dust starts to vibrate in the sunlight, a minimalist and unintended dance between the viewer and the artwork.

Evanescent vibrations may be the words that best describe what we can perceive of the works of Benjamin Ottoz. Because here, this is about vibe, dust, perception and musing.

Elodie Bernard

Ottoz

Charles-Henry Sommelette - "SANS TITRE"

Plus subversif qu’il n’en a l’air

Banal ou trivial, voilà deux adjectifs qui pourraient être associés aux sentiers balisés, sous-bois, haies et autres coins de jardins qu’affectionne Charles-Henry Sommelette.

Il est indéniable que le peintre s’inspire des choses ordinaires de son milieu le plus immédiat (au point d’être un des seuls à les avoir représentés). Ces sujets de prédilections ne sont pas forcément beaux, fascinants, insolites ou pittoresques (étymologiquement : qui mérite d’être peint).  Seulement, la maîtrise technique dont il fait montre dans leur représentation, l’originalité du point de vue qu’il adopte, l’équilibre de la composition font de ces lieux les plus anodins  – quiconque les parcourrait, les effacerait aussi rapidement de sa mémoire –  des sujets à part entière. C’est là, le tour de force de Charles-Henry que de parvenir à transformer l’insipide en beauté artistique.

Certains analystes comme le philosophe Jean Baudrillard qui reprochaient à l’art contemporain de s’approprier la banalité, le déchet et la médiocrité pour ne rien parvenir à en faire de mieux et d’annihiler toute possibilité d’illusion et d’imaginaire seraient bien obligés de se dédire en observant les travaux de Charles-Henry Sommelette. A partir de non-lieux, vides de toute présence humaine, il parvient à emballer l’imagination, participe à réinventer le genre paysager en peinture et remet au goût du jour la belle manière sans tomber dans la banalité ou la trivialité.

Thibault Cassart, Conservateur, Famenne & Art Museum

Commissaire : Yoko Uhoda

Revolutionairder dan het lijkt

Banaal of triviaal, twee adjectieven die zouden kunnen verwijzen naar de aangelegde paden, de struiken, de hagen en andere plekken van de tuinen die Charles-Henry Sommelette in zijn werken vervat.

Het staat als een paal boven water dat de schilder zich laat inspireren door gewone dingen uit zijn directe omgeving (hij is zelfs een van de weinigen die ze voorstelt). Die uitverkoren voorwerpen zijn niet noodzakelijk mooi, fascinerend, buitengewoon of pittoresk (ze verdienen niet echt om geschilderd te worden). Enkel de technische beheersing van de artiest, het originele standpunt dat hij inneemt en het evenwicht van de compositie maken van deze onbetekenende locaties – die nooit in je geheugen gegrift zullen blijven – volwaardige onderwerpen. Het talent van Charles-Henry slaagt erin om niets beduidende voorwerpen om te toveren tot een artistieke schoonheid.

Bepaalde analytici, zoals de filosoof Jean Baudrillar, verwijten de moderne kunstenaars dat hun werken een doorsnee van banaliteit en middelmatigheid zijn. Hun werken ontnemen elke vorm van illusie en verbeelding. De werken van Charles-Henry Sommelette zouden hen ongetwijfeld op andere gedachten brengen. Vanaf non-plaatsen waar geen enkele vorm van menselijke aanwezigheid te bespeuren valt, verpakt hij de verbeelding, geeft hij landschapsschilderijen een nieuwe dimensie en stopt hij schoonheid in een modern jasje, zonder in banaliteit of trivialiteit te vervallen.

Thibault Cassart, Conservator, Famenne & Art Museum

Subversiver als der Schein

Banal oder trivial – mit diesen beiden Adjektiven ließen sich markierte Wege, Unterholz, Hecken und sonstige Orte in Gärten beschreiben, die Charles-Henry Sommelette in ihren Bann ziehen.

Es ist unbestreitbar, dass sich dieser Maler von den einfachen Dingen aus seinem unmittelbaren Umfeld inspirieren lässt und dabei zu den Einzigen gehört, die dieses Umfeld jemals dargestellt haben. Die bevorzugten Subjekte sind nicht unbedingt schön, faszinierend, ungewöhnlich oder pittoresk (was so viel heißt wie „malwürdig“). Doch das technische Können seiner Darstellung, die Originalität seines Standpunkts und die Ausgewogenheit der Komposition machen diese äußerst banalen Orte – die niemandem, der sich zu ihnen begibt, im Gedächtnis haften bleiben – zu eigenständigen Subjekten. Darin besteht die Stärke Charles-Henrys: dem Langweiligen künstlerische Schönheit verleihen.

Einige Kritiker wie der Philosoph Jean Baudrillard, die zeitgenössischer Kunst vorwerfen, sich Banalität, Müll und Mittelmäßigkeit zu eigen zu machen und so nichts Besseres zustande bringen, als jegliche Illusion und Fantasie zu zerstören, müssten ihre Aussage zurücknehmen, wenn sie die Werke Charles-Henry Sommelettes zu Gesicht bekämen. Auf Basis belangloser, jegliche menschliche Präsenz entbehrender Orte entführt Sommelette in eine Fantasiewelt und trägt dazu bei, die Landschaftsmalerei neu zu beleben und diese schöne Kunst aus der Versenkung zu holen – ohne in Banalität oder Trivialität zu verfallen.

Thibault Cassart, Konservator, Famenne & Art Museum

More subversive then he appears to be

Banal or trivial are two adjectives that could be used to describe the marked trails, undergrowth, hedges and other garden spots dear to Charles-Henry Sommelette.

There is no question that the painter draws inspiration from the ordinary things in his most immediate environment (to the extent that he is one among few to have depicted them). These favourite subjects are not necessarily beautiful, fascinating, unusual or picturesque (which etymologically signifies something that deserves to be painted). However, the technical mastery he demonstrates in their depiction, the originality of viewpoint which he adopts and the balance of the composition make these inconsequential places – anyone who was to wander through them would rapidly forget them – subjects in their own right. This is indeed the considerable feat achieved by Charles-Henry: the ability to transform the insipid into artistic beauty.

Certain analysts such as the philosopher Jean Baudrillard, who criticised modern art for appropriating banality, trash and mediocrity and not doing anything better with it as well as annihilating any possibility of illusion and imagination, would be forced to eat their words on observing the works of Charles-Henry Sommelette. Using non-places, devoid of any human presence, he manages to stoke the imagination, contributes to reinventing the landscape painting genre and brings splendour back into fashion without becoming banal or trivial.

Thibault Cassart, Curator, Famenne & Art Museum

Charles Henry Sommelette

Sofie Vangor - "HOME"

Libre, curieuse, imprédictible, sauvage… Sofie Vangor repousse toutes les limites que l’on tenterait de lui imposer. Elle est l’auteur d’un art hybride, en perpétuel renouvellement, où se mêlent entre autres peinture, gravure, texte, tatouage et performance.

Son travail est fondamentalement autobiographique mais les questions qu’il soulève sont universelles : Qui es-tu ? D’où viens-tu ? Te sens-tu libre ? Ses œuvres exposent la complexité humaine, ses paradoxes et ses contradictions. Se faisant, Vangor nous invite avec véhémence à aller à la rencontre de soi, à se questionner. Plus largement, et d’une façon qui résonne particulièrement dans le climat médiatico-politique actuel, elle nous incite à embrasser les différences et à interroger les carcans qui nous définissent, nous rassurent et nous asservissent.

Commissaire : Alix Nyssen

Vrij, nieuwsgierig, onvoorspelbaar, wild, … Sofie Vangor verlegt alle grenzen die men haar tracht op te leggen. Haar hybride kunstwerken vernieuwen zich voortdurend of vloeien samen met andere schilderijen, gravures, teksten, tatoeages en performances.

Haar werk is hoofdzakelijk autobiografisch maar de vragen die de kunstenares zich stelt zijn universeel: Wie ben je? Waar kom je vandaan? Voel je je vrij? Haar werken tonen de menselijke complexiteit, haar paradoxen en haar tegenstellingen. Vangor vraagt ons uitdrukkelijk om onszelf te ontmoeten en in vraag te stellen. Meer in het algemeen, en op een manier die perfect aansluit bij het hedendaagse mediapolitieke landschap, stimuleert ze ons om de verschillen in de samenleving te omarmen en de beperkingen die ons bepalen, ondersteunen en beknotten in vraag te stellen.

Frei, neugierig, unberechenbar, ungehemmt … Sofie Vangor sprengt jegliche Grenzen, die man ihr auferlegen will. Sie ist Urheberin einer hybriden Kunst in ständiger Erneuerung, in deren Rahmen unter anderem Bilder, Gravierkunst, Texte, Tattoos und Performance verschmelzen.

Auch wenn ihr Schaffen grundsätzlich autobiografisch inspiriert ist, befasst sie sich mit universellen Fragen: Wer bist du? Woher kommst du? Fühlst du dich frei? Ihre Werke stellen die menschliche Komplexität, einschließlich ihrer Paradoxa und Widersprüche, dar. Hierzu fordert uns Vangor mit Nachdruck auf, nach uns selbst zu suchen und uns infrage zu stellen. Im weiteren Sinne und in einer Art und Weise, die insbesondere mit dem aktuellen medienpolitischen Klima vergleichbar ist, treibt sie uns an, Unterschiede anzunehmen und die Zwänge, die uns ausmachen, uns Rückhalt geben und uns unterjochen, infrage zu stellen.

Sofie Vangor is free, curious, unpredictable and wild. She pushes back all the boundaries within which one might be tempted to confine her. She is the author of a hybrid art, continually renewed, combining, amongst others, painting, engraving, texts, tattooing and performance.

Her work is fundamentally autobiographical, but the questions it raises are often universal: who are you? Where do you come from? Do you feel free? Her works depict human complexity, its paradoxes and contradictions. In this way, Vangor vehemently invites us to look inside ourselves and question ourselves. More broadly, and in a way that has particular resonance in the current media/political climate, she encourages us to embrace differences and call into question the constraints that define, reassure and enslave us.

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Denis Verkeyn - "ESPACE COPULANT"

« Denis Verkeyn est un artiste liégeois de 40 ans originaire d’Eben-Emael. Il a grandi entre les rouges et les bleus non loin de l’impressionnante tour de silex d’Eben-Ezer de Robert Garcet. A l’âge de 11 ans, alors qu’il pense s’inscrire à un cours de bande-dessinée, il découvre la nature morte dans une classe de sexagénaires hollandais. Pendant trois ans, tous les lundis soir, sur un fond de jazz et dans cette langue qu’il ne comprend pas, il appréhende une autre réalité. Quelques années plus tard, après un voyage initiatique au Nebraska, il s’inscrit, cette fois volontairement, à l’Académie des Beaux-Arts de Liège.

Denis Verkeyn développe des recherches très variées, toujours avec une certaine discrétion. En peinture comme dans ses installations, dans un style abstrait géométrique d’une grande précision, il travaille, et certainement médite, sur des associations de formes et de couleurs qui peuvent parfois rappeler l’œuvre d’Auguste Herbin ou celle, plus proche, de Jo Delahaut. La vitrine qu’il présente dans le cadre du projet Art au Centre est un condensé d’œuvres existantes qui se développent dans l’espace en une nouvelle composition.
Denis Verkeyn a par moment exposé ses œuvres au coté de celles de son fils, Leo. Il a également organisé plusieurs expositions regroupant les œuvres d’amis artistes et celles d’élèves de l’atelier de dessin qu’il anime en santé mentale à l’asbl REVERS. Ses recherches sont également éditoriales (Patate édition), musicales (OPI) et sensorielles. » – Maxime Moinet

« Face au travail de Denis Verkeyn, il me paraît important de distinguer ici un mode de peinture fait d’intériorité, j’entends par là une œuvre qui appelle à s’en approcher, une vision silencieuse qui nous renvoie à nous-mêmes, à la réflexion, à la méditation que l’on peut retrouver chez les peintres intimistes. Cependant, il s’agit aussi d’un mode de peinture qui s’impose de manière directe, et donc quelque part, une peinture d’extériorité. Par la subtile concordance des teintes et des contrastes, l’œuvre dégage une intensité remarquable. La facette symboliste est un élément majeur dans le travail de l’artiste, constitué d’un ensemble de signes qui lui sont propres et tiennent de son langage, venant s’y ajouter une recherche soigneusement élaborée de la composition et de l’occupation de l’espace. Il apparaît également, à travers chaque pièce, une réduction à l’essentiel de la réalité. La distribution des aplats et des formes épurées relève non seulement d’une caractéristique poétique, mais aussi d’une réussite quant à la puissance de la peinture harmonisant savoir, maîtrise et sensibilité ».

Marc Demeester

Commissaire : Maxime Moinet

Denis Verkeyn is een Luikse artiest van 40 jaar uit Eben-Emael. Hij is opgegroeid tussen de lokale broederschappen (rood en blauw), niet ver van de indrukwekkende Toren van Eben-Ezer van Robert Garcet. Op 11-jarige leeftijd, toen hij eraan dacht om een cursus striptekenen te volgen, ontdekt hij het stilleven in een cursus voor 60-jarige Nederlanders. Drie jaar lang leeft hij elke maandagavond in een andere realiteit, met jazzmuziek op de achtergrond en in een taal die hij niet begrijpt. Enkele jaren later, na een spirituele reis naar Nebraska, schrijft hij zich – deze keer vrijwillig – in aan de Académie des Beaux-Arts in Luik.

Het artistieke proces van Denis Verkeyn is een zeer gevarieerde zoektocht met een zekere vorm van discretie. Zowel in zijn schilderkunst als in zijn installaties getuigt hij van een abstracte geometrische stijl met een uitermate hoge vorm van precisie. Hij bewerkt en mediteert over de combinatie van kleuren en vormen die ons soms doen denken aan het werk van Auguste Herbin of Jo Delahaut. Zijn vitrine voor het project Art au Centre is een samensmelting van bestaande werken die zich in de ruimte in een nieuwe compositie ontwikkelen.

Af en toe stelt Denis Verkeyn zijn werken tentoon met die van zijn zoon Leo. Daarnaast organiseerde hij ook meerdere tentoonstellingen met het werk van bevriende artiesten en leerlingen van de tekenworkshop die hij geeft aan mensen in moeilijkheden van de asbl REVERS. Zijn kunstzinnige zoektochten gaan eveneens dieper in op het schrijven (Patate édition), de muziek en sensoriële werken.” – Maxime Moinet

Het artistieke werk van Denis Verkeyn is gebaseerd op een schildermethode die vanuit het innerlijke komt. Zijn werken streven naar verbinding maar tegelijk naar een vorm van stilte die ons op onszelf doet terugvallen, ons aanzet tot nadenken en meditatie. De werken van Verkeyn sluiten dan ook aan bij die van andere innerlijke schilders. Nochtans manifesteert zijn schilderkunst zich ook op een directe manier en heeft ze dus in zekere zin een uitwendig karakter. Door de subtiele samensmelting van kleuren en contrasten illustreert het werk een opmerkelijke intensiteit. Het symbolistische aspect is een belangrijk element in het werk van de artiest. Het bestaat uit een aantal zelf gecreëerde tekens die een eigen taal vorm om de compositie en de invulling van de ruimte in vraag te stellen. Elk kunstwerk grijpt eveneens terug naar de pure essentie van de realiteit. De verdeling van volvlakken en pure vormen ontstaat niet alleen uit een poëtisch karakter maar ook uit de kracht van de schilderkunst die kennis, beheersing en gevoeligheid verenigt”. – Marc Demeester

„Denis Verkeyn ist ein 40 Jahre alter, aus Eben-Emael stammender Lütticher Künstler. Aufgewachsen ist er zwischen roten und blauen Gilden unweit des von Robert Garcet errichteten beeindruckenden Feuersteinturms von Eben-Ezer. Mit elf Jahren will er sich eigentlich für einen Comic-Kurs anmelden, entdeckt dann jedoch in einem Kurs für 60-jährige Niederländer das Stillleben. Fortan macht er sich drei Jahre lang jeweils montagabends – umrahmt von Jazz-Musik und in einer ihm fremden Sprache – mit einer neuen Welt vertraut. Einige Jahre später nach einer spirituellen Reise nach Nebraska schreibt er sich, dieses Mal wohlgemerkt aus freien Stücken, an der Académie Royale des Beaux-Arts der Stadt Lüttich ein.

Seine künstlerische Selbstfindung ist von großer Vielseitigkeit geprägt, die stets mit einer gewissen Diskretion einhergeht. Sowohl seine Malereien als auch seine Installationen sind durchzogen von einem abstrakten geometrischen Stil hoher Präzision. Seine meditativen Gebilde aus Formen und Farben erinnern bisweilen an die Werke von Auguste Herbin oder – in jüngerer Zeit – von Jo Delahaut. Seine Vitrine im Rahmen des Projekts Art au Centre versteht sich als Resümee bestehender Werke, die sich im Raum zu einer neuen Komposition verdichten.

Gelegentlich stellt er seine Werke parallel zu den Werken seines Sohns Leo aus. Ebenso hat er mehrere Ausstellungen mit Werken von befreundeten Künstlern und Schülern des Zeichenateliers organisiert, das er für die asbl REVERS zur Förderung der psychischen Gesundheit durchführt. Sein künstlerisches Wirken umfasst ebenfalls das Schreiben (Patate édition), Musik (OPI) und sensorische Werke.“  – Maxime Moinet

„Das künstlerische Schaffen Denis Verkeyns ist von einer auf Innerlichkeit fokussierten Malerei geprägt. Mit anderen Worten fordert sein Werk zu einer Annäherung auf, verkörpert jedoch gleichzeitig jene leise Vision, durch die wir uns auf uns, auf die Reflexion und Meditation besinnen, die auch bei der Innenmalerei zu finden ist. Gleichwohl handelt es sich ebenfalls um eine Maltechnik, die sich unmittelbar aufdrängt und demgemäß in gewisser Weise auf die Äußerlichkeit fokussiert ist. Durch die subtile Abstimmung von Farbtönen und Kontrasten strahlen die Werke eine bemerkenswerte Intensität aus. Die symbolistische Facette zieht sich wie ein Leitmotiv durch die Werke des Künstlers, die aus einer Welt von von ihm geschaffenen und seine Sprache abbildenden Zeichen bestehen. Hinzu kommt eine gewissenhafte Suche nach der Zusammensetzung und Belegung des Raums. Ebenso verkörpert jedes künstlerische Objekt eine Reduktion auf das Wesentliche der Realität. Die Verteilung von Volltönen und reinen Formen rührt nicht nur von einer poetischen Note her, sondern ist ebenfalls auf die vollendete Kraft der Malerei zurückzuführen, in der Wissen, Beherrschung und Sensibilität verschmelzen.“ – Marc Demeester

“Denis Verkeyn is a 40-year old artist living in Liège and born in Eben-Emael. He grew up between the red and blue brotherhoods not far from the impressive Eben-Ezer flint tower built by Robert Garcet. At the age of 11 years old, whilst musing on whether to take comic writing and drawing lessons, he discovered still life in a class for Dutch sixty-somethings. During a three year period every Monday evening, to a musical background of jazz and in a language he did not understand, he learned to grasp another reality. Several years later, after a voyage of discovery to Nebraska, he signed up, knowingly this time, to the Liège Fine Arts Academy.

Denis Verkeyn is very varied in his works, but always with a certain amount of discretion. In painting as well as for his artistic installations, in an exceedingly precise abstract geometric style, he works, and most certainly ponders, over combinations of shapes and colours that sometimes call to mind the works of Auguste Herbin or, more recently, those of Jo Delahaut. The display he presents as part of the Art au Centre project is a digest of existing works which take their place as part of a new composition.

Denis Verkeyn has at times exhibited his works next to those of his son, Leo. He has also organised several exhibitions that have brought together the works of artist friends and those by the students at the mental health care drawing workshops which he holds on be half of the non-profit making association REVERS. His work is also editorial (Patate édition), musical (OPI) and sensorial in nature”. – Maxime Moinet

“With regard to the work of Denis Verkeyn, I believe it is important to distinguish a way of painting that is derived from interiority, by which I mean a work which calls on you to approach it, a silent vision that reflects back on ourselves, a work which encourages musing and meditation, a notion that can be found among the intimism painters. However, it is also a way of painting that expresses itself directly and is therefore, in a way, a painting style drawn from exteriority. Through the subtle harmony of hues and contrasts, the work exudes remarkable intensity. Its symbolistic aspects are a major element in the artist’s craft, made up of a series of signs that are very specific to him and in keeping with his discourse, to which can be added a carefully elaborated quest for composition and occupation of space. There is also, in each piece, an essential stripping down to reality. The distribution of the flat tints and pure forms stem not only from poetic characteristics, but also from successful expression of the power of painting that combines knowledge, mastery and sensitivity”. – Marc Demeester

ESPACE COPULANT Denis Verkeyn 1

Vitrine résidence

Résidence éphémère d’artiste

L’artiste est à l’œuvre tandis que l’œuvre est à la création. Petit à petit, le travail prend forme au sein de la vitrine et s’offre au regard. Le lieu a été transformé en un atelier éphémère, juste le temps de voir créer l’une ou l’autre œuvre directement sur place.

 

ARTISTE EN RESIDENCE 5

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